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'화양연화'는 '아비정전 (阿飛正傳, 1990)', '중경삼림 (重慶森林, 1994)', '동사서독 (東邪西毒, 1994)', '타락천사 (墮落天使, 1995)', '해피 투게더 (春光乍洩, 1997)' 등을 연출한 홍콩의 영화감독 왕가위 감독이 연출한 영화이다. 자신의 영화는 직접 시나리오를 쓰는 왕가위 감독은 '화양연화'의 시나리오도 자신이 직접 썼다.

내가 지금까지 본 왕가위 감독의 작품은 '중경삼림'과 '화양연화'뿐이다. 두 작품만으로 그의 작품 세계에 대해 이야기하는 것이 이르기는 하지만, '중경삼림'과 '화양연화'를 보면, 영화의 이야기는 단순하지만 감각적인 영상 스타일로 관객들에게 영화의 메시지를 전달하고 감동을 준다. 그렇지 않아도 왕가위 감독은 스타일에 집중하기로 유명한 영화감독이다. 그는 스타일이 영화의 장식이 아니라 내용이라 본다.

'중경삼림'과 '화양연화'는 같은 로맨스물이기는 하지만, '중경삼림'이 새로운 사랑을 찾는 젊은 남녀들의 사랑 이야기를 다룬 유쾌하고 청순 발랄한 영화라면, '화양연화'는 유부남과 유부녀의 이루어질 수 없는 사랑 이야기를 진중하게 그린 영화이다. 인생의 꽃 같은 시절, 가장 아름답고 찬란했던 시절이라는 의미를 담고 있는 영화 제목에서부터 이루지 못한 옛사랑에 대한 회한과 안타까움이 느껴지는 '화양연화'는 영화의 이야기도 다음과 같은 자막으로 시작된다. "난처한 순간이다. 여자는 고개를 숙인 채 남자에게 다가설 수 있는 기회를 주지만, 남자는 다가설 용기가 없다. 여자는 돌아서서 가 버린다."

1962년 홍콩. 수리쩐(張曼玉(장만옥))과 그녀의 남편 첸 씨(張耀揚(장요양)(목소리))가 쑨 부인(潘迪華(반적화))의 셋집 아파트에, 그리고 이웃인 구 씨(陳萬雷(진만뇌))의 셋집 아파트에 차우 모윈(梁朝偉(양조위))과 그의 아내 차우 부인(孫佳君(손가군)(목소리))이 같은 날에 이사를 온다. 이사 온 첫날부터 아파트 복도에서 자주 마주치던 첸 부인과 차우는 어느 순간 차우의 넥타이와 첸 부인의 가방이 각자의 배우자의 것과 똑같음을 깨닫고 그들의 불륜 관계를 눈치챈다. 이런 예기치 않은 상황에 휘말리면서 첸 부인과 차우는 이웃들의 눈을 피해 비밀스러운 만남을 이어 간다.

'화양연화'는 불륜극이다. 유부남과 유부녀의 불륜을 사랑으로 승화시키는 여느 불륜극과 마찬가지로, '화양연화' 역시 첸 부인과 차우의 불륜을 사랑으로 승화시킨다. 하지만 '화양연화'에서의 첸 부인과 차우의 사랑은 그 어떤 불륜극에서의 사랑보다도 애틋하면서도 미스터리하다.

첸 부인과 차우는 각자의 배우자들이 저지른 불륜의 희생자들이다. 첸 부인과 차우는 각자의 배우자들이 불륜을 저지르고 있고 자신들이 배신당했다는 것을 알게 되었을 때 엄청난 충격을 받는다. 그들의 불륜 관계의 시작이 궁금해진 첸 부인과 차우는 서로 상대방의 배우자를 연기하며 자신들이 상상한 대로 그들의 불륜을 재현해 보려 한다. 그러다 어느 순간 연기와 실제 상황이 헷갈리기 시작한다. 서로에 대한 감정이 깊어지지 않기 위해 노력하지만 서로에게 점점 빠져들기 시작한다. '화양연화'는 이러한 첸 부인과 차우의 감정에 집중하기 위해, 그들의 배우자들인 첸 씨와 차우 부인은 뒷모습만 잠깐 보여 주고 목소리만 들려줄 뿐, 얼굴은 보여 주지 않는다.

'화양연화'의 이야기 배경인 1960년대 홍콩에서 불륜이 아주 없던 일은 아니었지만, - 영화에서도 첸 부인의 직장 상사인 호 씨(雷震(뇌진))도 불륜을 저지르고 있고, 차우의 직장 동료인 아핑(蕭炳林(소병림))이 홍등가를 드나드는 이야기가 나오기도 한다. - 홍콩 사람들은 오늘날에 비해 상당히 보수적이었고, 불륜은 상당히 큰 금기였다. 이러한 사회 분위기 속에서 첸 부인과 차우는 서로 만남을 이어 가면서도 이웃들의 눈을 의식하지 않을 수 없고, 각자의 배우자들이 불륜을 저지르고 있다 해서 자신들도 쉽게 그 같은 행위를 할 수 없기 때문에 서로에 대한 감정을 최대한 절제한다. 차우가 무협 소설을 쓰기 위해 - 그리고 아마도 첸 부인과 함께하기 위해 - 빌린 호텔방 2046호 - 왕가위 감독의 '화양연화' 다음 작품이 '2046 (2046, 2004)'이다. - 를 찾은 첸 부인에게 "당신이 올 줄 몰랐어요."라고 말하자, 첸 부인이 차우에게 말한다. "우린 그들처럼 되지 않을 거니까요."

하지만 첸 부인과 차우는 사랑에 빠져들고, 첸 부인과의 사랑은 결코 이루어질 수 없다는 것을 알고 있는 차우는 결국 홍콩을 떠나기로 마음먹는다. 차우가 첸 부인에게 말한다. "우린 그들처럼은 안 될 거라 생각했죠. 근데 아니었어요. ... 그 두 사람의 시작이 궁금했었는데, 이제 알겠어요. 많은 일이 나도 모르게 시작되죠. ..."

차우와 첸 부인은 이별할 마음의 준비를 하기 위해 이별의 리허설을 한다.

'화양연화'는 말이나 글로 설명하기가 참 어려운 영화이다. '화양연화'는 영화의 이야기를 통해 이해해야 하는 영화이기보다는 감각적인 영상과 음악, 주연 배우들의 연기 등이 연출하는 영화의 정서적인 분위기를 통해 느껴야 하는 영화이기 때문이다. '화양연화'는 제53회 칸 영화제에서 남우주연상과 기술상을 수상했는데, '아비정전', '중경삼림', '동사서독', '타락천사', '해피 투게더' 등 왕가위 감독의 작품을 도맡아 촬영한 호주의 촬영감독 크리스토퍼 도일의 감각적인 촬영과, '화양연화'의 미술과 의상, 그리고 편집까지 담당한 장숙평의 감각적인 영화의 비주얼 디자인, 그리고 첸 부인과 차우를 각각 연기하는 장만옥과 양조위의 고도로 절제된 연기를 통해, 자신들의 감정을 최대한 절제하다 결국에는 사랑을 이루지 못한 채 회한과 추억으로만 남기고 마는 첸 부인과 차우의 애틋하면서도 미스터리한 사랑 이야기를 그려 내고 있다.

'화양연화'는 관객들이 답답함을 느낄 정도로, 첸 부인과 차우의 좁은 셋집 아파트를 배경으로 클로즈업으로 촬영한 장면들과, 관객들이 마치 숨어서 첸 부인과 차우의 만남을 엿보는 듯 느껴지는, 숨겨진 카메라로 몰래 촬영한 듯한 장면들을 통해, 보수적인 사회 분위기 속에서 이웃들의 눈을 피해 비밀스러운 만남을 이어 가고, 서로에 대한 감정을 최대한 절제하는, 억압된 첸 부인과 차우에 관객들이 자신을 동일시하고 공감할 수 있도록 해 주고 있다.

호텔방에서 첸 부인은 차우가 무협 소설 쓰는 것을 돕는다. '화양연화'에서 첸 부인과 차우가 호텔방에서 사랑을 나누는 장면이나, 사랑을 나누었다는 이야기는 나오지 않는다. 게다가 두 사람의 관계는 첸 부인이 차우에게 자신들은 그들의 배우자들처럼 되지 않을 거라고 말했듯 육체적으로 - 적어도 영화의 이야기 상으로는 - 순결하다. 하지만 영화는 첸 부인을 바라보는 차우의 강렬한 눈빛과, 첸 부인이 "국수 사러 가면서도 차려입는", 몸에 착 달라붙은 화려한 중국 전통 의상 치파오, 그리고 전위적으로 꾸민 붉은색의 호텔 복도 등으로 에로틱한 분위기를 연출한다.

'화양연화'는 영국 영화 연구소(British Film Institute, BFI)에서 간행하는 영화 전문 월간 잡지 'Sight & Sound'가 2022년에 발표한 "영화 사상 가장 위대한 영화 (The Greatest Films of All Time)"에서 5위에 랭크되어 있다. 하지만 개인적으로는 영화에 비전문가인 내가 '화양연화'의 작품성을 제대로 알아보지 못해서일 수도 있지만, 과연 '화양연화'가 이 정도로 높은 순위에 랭크될 만한 영화인지는 솔직히 잘 모르겠다.

싱가폴로 떠나기로 한 차우가 독백한다. "나예요. 배표 한 장 더 있으면 나와 같이 갈래요?"

첸 부인 역시 싱가폴로 떠난 차우의 호텔방에서 눈물을 흘리며 독백한다. "나예요. 배표 한 장 더 있으면 날 데려갈래요?"

1963년 싱가폴. 첸 부인을 그리워하는 차우가 아핑에게 말한다. "옛날 사람들은 숨기고 싶은 비밀이 있을 때 어떻게 했는지 알아? ... 산에 가서 나무에 구멍을 낸 다음 거기다 비밀을 털어놓고 진흙으로 막았대. 그럼 비밀이 그 나무에 갇혀서 아무도 모르는 거야."

첸 부인은 싱가폴의 차우의 아파트를 찾지만, 차우는 직장으로 일하러 나가고 아파트에 없다. 직장에서 일을 하던 차우는 자신에게 걸려 온 전화를 받지만, - "아마도" 첸 부인인 것 같은 - 상대방은 아무 말도 없다. 이때 미국의 재즈 피아니스트이자 가수인 냇 킹 콜이 부르는 'Quizas, Quizas, Quizas (아마도, 아마도, 아마도)'가 흘러나오기 시작한다. 결국 첸 부인은 아무 말도 못한 채 전화를 끊어 버린다.

1966년 홍콩. 첸 부인과 차우는 자신들이 "화양연화"에 살았던 아파트를 방문한다. 첸 부인은 차우가 살았던 아파트를 바라보며 눈물을 삼키고, 차우는 냇 킹 콜이 부르는 'Quizas, Quizas, Quizas'가 흘러나오는 가운데, 그 시절 첸 부인이 살았었던, - 그리고 쑨 부인이 딸이 있는 미국으로 이사를 간 후 "아마도" 첸 부인이 다시 이사를 와서, - "아마도" 첸 씨가 아닌 차우의 아이일 수도 있는 - 어린 아들과 함께 살고 있는 - 아파트의 문을 한참 바라본다. "그 시절은 지나갔고 그때의 모든 것이 전부 사라졌다."

1966년 캄보디아. 차우는 캄보디아의 유명한 사원 앙코르 와트에서 외벽의 움푹 패인 구멍에 입을 대고 자신의 비밀을 털어놓은 다음 구멍을 흙으로 메꾼다. 그리고 다음과 같은 자막으로 영화는 끝난다. "그는 지난 시절을 그리워한다. 먼지 쌓인 유리창을 통하여 보듯이 과거를 볼 수는 있지만 만질 수는 없다. 그리고 그가 보는 모든 것이 선명하지 않고 흐릿하다."

왕가위 감독의 영화들을 보고 나면 항상 귀에 맴도는 음악들이 있는데, '화양연화'의 경우, '유메지의 테마 (Yumeji's Theme)'와, 냇 킹 콜이 부르는 'Aquellos Ojos Verdes (초록빛 눈)'와 'Te Quiero Dijiste (당신을 사랑합니다)'와 'Quizas, Quizas, Quizas'가 그렇다. '유메지의 테마'는 원래 일본 영화인 '유메지 (夢二, 1991)'의 사운드 트랙으로, '유메지'의 음악을 담당한 우메바야시 시게루가 작곡했다. 하지만 지금은 '화양연화'의 사운드 트랙으로 더 유명하다.

'화양연화'의 마지막에서 1966년에 프랑스의 대통령 샤를 드골이 캄보디아를 방문하는 뉴스 장면이 나온다. 왕가위 감독은 1994년의 홍콩을 배경으로 한 '중경삼림'에서 1997년 홍콩 반환을 앞둔 홍콩 사람들의 불안한 심리를 영화의 이야기에 담았었는데, 1960년대의 홍콩을 배경으로 한 '화양연화'에서도 딸이 있는 미국으로 이사를 가는 쑨 부인이 첸 부인에게 "우리 딸이 홍콩의 미래가 걱정스럽대."라고 말하는 장면과, 필리핀으로 이사를 간 구 씨의 셋집 아파트에 살고 있는 남자(張同祖(장동조))가 차우에게 "홍콩이 혼란스러우니 다들 떠나고 있어요."라고 말하는 장면이 나온다. 홍콩 반환 이후에 제작된 '화양연화'에서 한때 프랑스의 식민지였던 캄보디아의 앙코르 와트에서 영화의 이야기를 마무리한 건, 첸 부인과 차우의 사랑도 앙코르 와트의 외벽에 조각된 모든 부조 장식들에 깃들어 있는 수세기에 걸쳐 반복된 각종 인간사 중 하나에 지나지 않는다는 것을 이야기하는 동시에, 홍콩의 식민지 시절에 보내는 작별 인사이기도 하다.

봄 여름 가을 겨울 그리고 봄 (2003)

unforgettable — Sun, 15 Dec 2024 05:22:07 +0900

김기덕 감독의 아홉 번째 영화인 '봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'은 깊은 산속 신비로운 연못 위에 단아하게 떠 있는 암자에서 노스님(오영수)과 함께 살고 있는 동자승(김종호)의, 유년기, 소년기, 청년기, 장년기에 이르는 인생 여정을 자연의 사계에 비유해 그려 나가고, 그것을 통해 인간으로 살아간다는 것에 대해 질문을 건네는 불교 영화이다. '봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'은 "봄"의 동자승 이야기와, "여름"의 소년승(서재경) 이야기, "가을"의 청년승(김영민) 이야기, "겨울"의 장년승(김기덕) 이야기, 그리고 마지막으로 "그리고...봄"의 또 다른 동자승 이야기의 다섯 이야기로 구성되어 있다.

"봄". 산속 계곡에서 잡은 물고기와 개구리와 뱀에게 돌멩이를 매달고 재미있는 듯 웃음을 터트리는 동자승의 모습을 지켜보던 노스님은 그날 밤 잠든 동자승의 등에 돌을 묶어 둔다. 다음날 아침 잠에서 깬 동자승이 울먹이며 힘들다고 하소연하자, 노스님은 잘못을 되돌려 놓지 못하면 평생의 업이 될 것이라 이른다.

"여름". 동자승이 자라 17세 소년승이 되었을 때, 동갑내기 소녀(하여진)가 요양하러 암자에 들어온다. 소년승의 마음에 소녀를 향한 뜨거운 사랑이 차오르고, 노스님도 그들의 사랑을 감지한다. 쾌유한 소녀가 떠난 후 더욱 깊어 가는 사랑의 집착을 떨치지 못한 소년승은 암자를 떠난다.

"가을". 암자를 떠난 후 십여 년 만에, 배신한 아내를 죽인 살인범이 되어 암자로 도피해 들어온 청년승은 단풍만큼이나 붉게 타오르는 분노와 고통을 이기지 못하고 암자 안 불상 앞에서 자살을 시도하자, 노스님은 그를 모질게 매질한다. 노스님은 나무 바닥에 마음을 다스리는 반야심경을 쓰고 청년승에게 칼로 글자들을 한 자씩 파면서 분노를 마음에서 지우도록 한다. 노스님은 청년승을 체포하기 위해 암자를 찾은 지형사(지대한)와 최형사(최민)에게 청년승이 반야심경을 다 판 다음에 데리고 갈 것을 부탁한다. 청년승을 떠나보낸 노스님은 홀로 남은 고요한 암자에서 스스로 다비식을 치른다.

"겨울". 장년의 나이로 폐허가 된 암자로 돌아온 장년승은 노스님의 사리를 수습해 자신이 조각한 얼음 불상에 모신다. 장년승이 선무도에 정진하며 내면의 평화를 구하는 나날을 보내던 어느 날 암자를 찾아온 이름 모를 아기엄마(박지아)가 아기(송민영)를 암자에 남겨 두고 떠난다. "그리고...봄". 장년승은 어느새 자라난 동자승과 함께 암자의 평화로운 봄날을 보내고 있다. 동자승은 산속 계곡에서 잡은 물고기와 개구리와 뱀의 입속에 돌멩이를 집어넣고 재미있는 듯 웃음을 터트린다.

불교의 가장 기본적인 교리인 사성제(四聖諦)는 괴로움을 소멸시켜 열반(涅槃)에 이르게 하는 네 가지 진리로, 고제(苦諦), 집제(集諦), 멸제(滅諦), 도제(道諦)를 말한다. 고제는 괴로움이라는 진리이다. 태어나는 괴로움, 늙는 괴로움, 병드는 괴로움, 죽는 괴로움, 근심하고 슬퍼하고 걱정하는 괴로움 등 헤아릴 수 없이 많고, 미워하는 사람과 만나야 하는 괴로움, 사랑하는 이와 헤어져야 하는 괴로움, 구해도 얻지 못하는 괴로움이다. 다시 말해, 인간을 구성하는 다섯 가지 요소의 무더기, 즉 몸(色), 느낌(受), 생각(想), 의지(行), 인식(識)을 5온(蘊)이라 하는데, 이 5온에 집착이 번성하므로 괴로움이고, 5온은 집착을 일으키는 근원이므로 괴로움이며, 또 5온에 집착하므로 괴로움이라는 것이다.

집제는 괴로움의 발생이라는 진리로, 괴로움이 발생하는 원인을 밝혀 준다. 집(集)이란 "발생"이라는 뜻이다. 괴로움은 어떤 원인과 조건이 성숙하고 결합해서 일어나는데, 그 원인은 갈애(渴愛), 즉 목이 말라 애타게 물을 찾듯이 몹시 탐내어 그칠 줄 모르는 애욕이다. 그래서 마음속에 갈애가 일어나면 곧바로 알아차리고 한 발짝 물러서서 내려놓기를 반복하는 게 수행의 시작이다. 갈애가 일어날 때마다 그것을 반복해 나가면 갈애는 점점 약화되어 간다. 따라서 갈애가 일어나면 곧바로 알아차리는 것, 이것이 집제의 요점이다.

멸제는 괴로움의 소멸이라는 진리이다. 5온의 작용에서 집착이 소멸되고, 또 그 5온에 집착하지 않아 갈애가 소멸된 상태이다. 탐욕과 분노와 어리석음 등의 번뇌가 소멸된 열반의 경지이다. 그리고 도제는 괴로움의 소멸에 이르는 길이라는 진리로, 괴로움을 소멸시키는 여덟 가지 바른 길, 즉 바르게 알기(정견(正見)), 바르게 사유하기(정사유(正思惟)), 바르게 말하기(정어(正語)), 바르게 행하기(정업(正業)), 바르게 생활하기(정명(正命)), 바르게 노력하기(정정진(正精進)), 바르게 알아차리기(정념(正念)), 바르게 집중하기(정정(正定))의 8정도(正道)이다.

불교의 근본 교리인 삼법인(三法印) - 제행무상(諸行無常), 제법무아(諸法無我), 열반적정(涅槃寂靜) - 의 하나인 제행무상은 모든 현상은 매 순간 일어났다가 사라지고 사라졌다가 일어나는 생멸을 끝없이 반복한다는 가르침이다. 영화의 제목에서부터 제행무상과 윤회를 생각나게 하는 '봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'은 계절이 바뀔 때마다 마치 관객들을 초대하듯 두 명의 사천왕이 그려진 일주문이 열리면서 새로운 이야기가 시작된다. 일주문이 열리면 연못 위에 떠 있는 암자의 계절에 따른 아름다운 풍경이 펼쳐진다. 일주문에서 나무배를 타고 노를 저어 암자에 갈 수 있다. 담이 없이 일주문만 세워져 있어 일주문의 양옆은 개방되어 있다. 암자 안에도 불상 앞에서 기도를 하는 공간과 잠을 자는 공간이 벽이 없는 두 개의 문으로 구분되어 있다. 아침에 목탁 두드리기를 멈추고 기도를 마친 노스님은 자고 있는 동자승을 깨울 때 소리를 지르거나 개방되어 있는 문 옆을 통하지 않고 굳이 문을 열고 문을 통하여 동자승에게 그만 일어나라고 외친다. 잠에서 깬 동자승도 굳이 문을 통하여 기도하는 공간으로 이동하고 불상 앞에 앉아 기도를 한다.

'봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'에서 연못과 연못 위에 떠 있는 암자는 사람의 마음을 상징한다. 노스님과 동자승이 굳이 문을 통하여 기도하는 공간과 잠자는 공간 사이를 이동하는 것은 사성제의 도제에서 말하는 정도를 마음속에 새기면서 살아가는 것을 상징적으로 표현한 것이다.

하지만 소녀에 대한 애욕을 주체하지 못하는 소년승은 밤에 자고 있는 노스님이 깨지 않도록 조용히 문 옆을 통하여 소녀의 이불 속으로 파고든다. 어느 날 아침 노스님은 배에서 서로 부둥켜안고 나른하게 잠들어 있는 소년승과 소녀를 발견한다. 무릎을 꿇고 잘못했다고 비는 소년승에게 노스님이 말한다. "저절로 그렇게 된 것이니라. ... 욕망은 집착을 낳고, 집착은 살의를 품게 한다."

노스님은 사성제의 집제를 이야기하고 있다.

사람의 마음을 상징하는 암자 앞 나무 바닥에 노스님이 마음을 다스리는 반야심경을 쓰고, 청년승이 그것을 파는 것도 마음속에 그것을 새긴다는 것을 상징적으로 표현한 것이다.

암자에 비단잉어, 개, 수탉, 고양이, 거북이 등의 동물들이 등장하는데, 이는 사성제의 집제에서 말하는, 열반에 이르는데 장애가 되는 가장 근본적인 세 가지 번뇌인 3독(毒) - 탐욕(貪), 분노(瞋), 어리석음(癡) - 중에서도 가장 근본이 되는 어리석음을 상징한다. 윤회는 인간이 죽어도 그 업에 따라 육도(六道)의 세상에서 생사를 거듭한다는 불교 교리이다. 여섯 가지 세상은 가장 고통이 심한 지옥도(地獄道), 굶주림의 고통이 심한 아귀도(餓鬼道), 네 발 달린 짐승과 새, 고기, 벌레, 뱀들이 사는 축생도(畜生道), 노여움이 가득한 아수라도(阿修羅道), 인간이 사는 인도(人道), 행복이 두루 갖추어진 천도(天道)이다. 인간은 현세에서 저지른 업에 따라 죽은 뒤에 다시 여섯 세계 중 한 곳에 태어나 내세를 누리며, 그 내세에 사는 동안 저지른 업에 따라 내내세에 태어나는 윤회를 계속한다. 이러한 윤회는 윤리 도덕적인 측면, 즉 권선징악적인 차원에서 특히 강조되어 왔다.

그러나 불교에서는 권선징악을 넘어선 해탈의 차원에서 이 윤회설이 강조되었다. 윤회한다는 것은 결국 괴로움이므로, 영원히 윤회에서 벗어나는 열반이나 극락의 왕생 등을 보다 중요시하였다. 따라서 이 한 생에서 다음 생이 어떻게 전개되는가 하는 데 대한 관심보다, 현실의 삶에서 한 생각 한 생각을 깊이 다스려서 언제나 고요한 열반의 세계나 불국토(佛國土)에 있는 것과 같은 상태를 유지하고 점검하도록 하는 데 치중하였다. 그리고 현재의 마음이 번뇌로 가득차 있는 것이 곧 지옥이고, 탐욕으로 가득차 있는 것이 아귀이며, 어리석음으로 가득차 있는 것이 축생이라고 보는 등, 이 순간의 마음가짐에 따라서 끊임없이 육도를 윤회한다고 보았다. '봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'에서도 연못 위에 떠 있는 암자, 즉 사람의 마음에 육도가 있으며, 암자의 동물들은 육도 중 하나인 축생, 즉 어리석은 마음을 의미한다. 단, 노스님의 다비식 이후에 등장하는 뱀은, 최초의 불교 경전인 '숫파티타파'에 세속의 번거로움을 떠나는 수행자의 모습이 마치 뱀이 묵은 껍질을 벗어 버리는 것과 같다고 하는 구절이 있는데, 열반에 이른 노스님을 의미한다.

아직 눈에서 분노와 섬뜩한 살기가 느껴지는 청년승이 자신은 사랑을 한 죄밖에 없는데 그 여자는 다른 사람을 만났고 그래서 참을 수가 없었다고 말하자, 노스님이 말한다. "속세가 그런 줄 몰랐더냐? 가진 것을 놓아야 할 때가 있느니라. 내가 좋은 걸 남도 좋은 지 왜 몰라?"

노스님은 사성제의 멸제를 이야기하고 있다.

깨달음을 얻은 노스님은 연못과 연못 위에 떠 있는 암자, 즉 자신의 마음을 깊이 다스린다. 물고기와 개구리와 뱀에게 매단 돌멩이를 풀어 주기 위해, 노스님이 묶어 둔 돌을 등에 짊어진 채 배를 타고 산속으로 들어간 동자승이 죽은 물고기를 땅에 묻고, 개구리에 매달려 있는 돌멩이를 풀어 주고, 죽은 뱀을 보고 우는 모습을 어느새 동자승을 따라온 노스님이 지켜보고 있다. 배를 타고 산속 계곡으로 들어간 청년승이 계곡물에 뛰어들어 고통스러워하는 모습을 어느새 청년승을 따라온 노스님이 지켜보고 있다. 노스님은 암자에 배도 없는데 어떻게 동자승과 청년승을 따라온 것일까? 청년승과 지형사와 함께 배에 오른 최형사가 힘껏 노를 젓는데도 배가 움직이지 않는다. 노스님이 청년승에게 손을 흔들고 나서야 배가 움직인다. 청년승을 보내고 싶지 않은 노스님의 마음이 드러난 것이다. 청년승과 두 형사가 일주문을 나서자 일주문이 저절로 닫히고, 배가 저절로 암자로 되돌아온다.

목도리로 얼굴을 가린 아기엄마는 암자 안 불상 앞에서, 사성제의 고제에서 말하는 현세에서의 삶은 곧 고통과 같다는 진리를 증명하기라도 하는 듯, 몹시 흐느껴 운다. 아직 해가 뜨지 않은 새벽에 아기를 암자에 남겨 두고 암자를 떠나려던 아기엄마는 꽁꽁 언 연못을 걸어가다, 장년승이 꽁꽁 언 연못에 뚫어 놓은 구멍에 빠지고 만다. 아침에 죽은 아기엄마를 연못에서 건져 올린 장년승은 아기엄마가 빠진 구멍에 목도리를 깔고 그 위에 불상을 얹어 놓는다. 이는 널리 인간 전체를 구제하여 부처의 경지에 이르게 하는 것을 이상으로 하는 불교의 한 교파인 대승 불교의 사상을 강조하는 것이다. 아기엄마의 얼굴을 끝까지 보여 주지 않는 이유도 그 구제의 대상이 특정한 사람이 아닌 모든 사람이라는 것을 강조하기 위해서이다.

영화의 초반부에서 동자승에게 물고기와 개구리와 뱀에게 매단 돌멩이를 풀어 주고 오면 등에 묶어 둔 돌을 풀어 주겠다고 말한 노스님이 계속해서 말한다. "물고기와 개구리와 뱀 중 어느 하나라도 죽어 있으면은 너는 평생동안 그 돌을 마음에 지니고 살 것이다."

결국 물고기와 개구리와 뱀에게 돌멩이를 매달고 물고기와 뱀을 죽인 업과 아내를 죽인 업을 짊어진 장년승은 절구를 매달고 반가 사유상을 손에 들고 고행의 길에 나선다. 이때 국악인 김영임의 '정선아리랑'이 울려 퍼진다. 산의 정상에 오른 장년승은 저 멀리 연못과 연못 위에 떠 있는 암자, 즉 자신의 마음을 바라본다.

"그리고...봄"의 동자승이 과거의 동자승처럼 산속 계곡에서 잡은 물고기와 개구리와 뱀의 입속에 돌멩이를 집어넣고 재미있는 듯 웃음을 터트리는 이야기는 반복되는 인생을 암시한다. 저 멀리 연못과 연못 위에 떠 있는 암자를 바라보는 반가 사유상이 저 동자승 중생은 또 어떻게 구제해야 하나 깊은 사색에 잠겨 있다.

'봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'은 프로덕션 준비 단계부터 독일의 아트 하우스 판도라 필름(Pandora Film)이 공동 제작사로, 유럽 영화 시장의 허브 바바리아 필름(Bavaria Film)이 배급사로 참여해 화제를 모았다. 국내 최초로 이루어진 이같은 해외와의 사전 제휴는 세계적 시네아스트로 인정받는 김기덕 감독의 국제적 명성과 작품에 대한 신뢰 덕에 가능했던 것이다. 그리고 '봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'은 제56회 로카르노 영화제에서 청년 비평가상을 수상하여 다시 한번 김기덕 감독 작품에 대한 국제적 지지와 관심을 확인했다. '봄 여름 가을 겨울 그리고 봄'은 제41회 대종상영화제에서 최우수작품상을, 제24회 청룡영화상에서 작품상과 기술상을 수상하였다.

007 골드핑거 (Goldfinger, 1964)

unforgettable — Thu, 5 Dec 2024 23:26:22 +0900

'007 골드핑거'는 2024년 현재 모두 25편이 제작된 제임스 본드 시리즈의 포문을 연 '007 살인 번호 (Dr. No, 1962)'와, 2번째 제임스 본드 영화인 '007 위기일발 (From Russia with Love, 1963)'에 이은 3번째 제임스 본드 영화로, 이언 플레밍의 7번째 제임스 본드 소설인 '골드핑거 (Goldfinger)'를 바탕으로, '007 살인 번호'와 '007 위기일발'의 각본을 쓴 리처드 메이바움이 폴 덴과 함께 영화의 각본을 썼으며, 가이 해밀턴 감독이 영화를 연출하였다. 현재도 '007 골드핑거'는 25편의 제임스 본드 영화들 중에서 '007 위기일발'과 더불어 최고의 제임스 본드 영화로 꼽히곤 한다.

오프닝 크레딧이 끝나고 '007 골드핑거'의 본격적인 이야기가 시작되면, '007 살인 번호'에서 제임스 본드(Sean Connery)가 자메이카에서 처음 만난 미국 중앙 정보국 CIA(Central Intelligence Agency) 요원이자 본드의 절친인 펠릭스 라이터(Cec Linder)가 등장한다. 헤로인 바나나를 팔아 혁명을 위한 자금을 공급하던 라미레즈의 헤로인 관련 시설을 폭파하는 임무를 완수하고 마이애미 해변(Miami Beach)에서 휴가 중인 본드 앞에 나타난 펠릭스는 거물이자 세계적인 재벌이고, 평판도 꽤 좋아 보이며, 미국에서 가장 훌륭한 종마 사육장을 소유하고 있고, CIA에서 보기에도 깨끗한, 영국 국적의 오릭 골드핑거(Gert Frobe)를 주시하라는 MI6(Military Intelligence 6, 영국 비밀 정보국) 국장 'M'(Bernard Lee)의 통신 메시지를 본드에게 전달한다. '007 살인 번호'와 '007 위기일발'에서 국제 범죄 조직 스펙터의 일당들을 상대한 본드는 '007 골드핑거'에서는 스펙터와는 아무런 상관이 없는 악당을 상대한다.

펠릭스와 헤어진 후 본드는 질 매스터슨(Shirley Eaton)이라는 미모의 여자를 이용하여 사기도박을 하던 골드핑거를 골탕 먹인 후에 질과 달콤한 시간을 보내던 중, 누군가의 공격을 받고 의식을 잃는다. 정신을 차린 본드는 전신이 금으로 칠해져 피부 질식으로 죽은 질을 발견한다.

영국 은행의 스미더스(Richard Vernon) 대령은 'M'과, 마이애미에서 런던으로 막 돌아온 본드에게, 합법적인 금 매매업자이자 국제 보석상인 골드핑거가 자신이 보유하고 있는 상당량의 금을 영국에서 금값이 높은 외국으로 밀반출하고 있는데, 그가 금을 어떻게 해외로 밀반출하고 있는지 알아내는 데 실패한 영국 은행을 대신해 MI6에서 그가 금을 불법적인 방법으로 해외로 밀반출하고 있다는 것을 입증해 주면, 영국 은행은 그의 보유 재산의 대부분을 회수하기 위한 절차를 시작할 수 있을 것이라고 말한다. 스미더스 대령은 본드가 골드핑거에게 접근하기 위해 미끼로 사용할 5천 파운드짜리 나치 금괴를 제공한다.

나치 금괴로 골드핑거의 관심을 끈 본드는 골드핑거의 고급 승용차 롤스로이스 팬텀 3에, 'Q'(Desmond Llewelyn)에게서 제공받은 추적 장치를 몰래 설치한다. 골드핑거를 스위스의 제네바까지 추적해 골드핑거의 공장에 잠입한 본드는 골드핑거가 자신의 승용차인 롤스로이스의 차체를 금으로 만들어 금을 밀수한다는 사실을 알아낸다. 본드는 동생인 질의 복수를 위해 골드핑거를 사살하려는 틸리 매스터슨(Tania Mallet)을 만나지만, 곧바로 틸리는 골드핑거의 심복인 오드잡(Harold Sakata(Tosh Togo))에게 죽임을 당하고, 본드는 사로잡히게 된다. 본드가 MI6의 요원 007이라는 것을 알게 된 골드핑거는 레이저로 본드를 죽이려 하지만, 본드가 자신이 죽으면 008이 자신을 대신할 것이고, 자신은 그랜드 슬램 작전에 대해서도 알고 있다고 (거짓)말하자, 골드핑거는 자신이 15년에 걸쳐 면밀하게 준비한 그랜드 슬램 작전이 끝날 때까지만 본드를 살려 두기로 한다.

미국 켄터키에 있는 골드핑거의 종마 사육장으로 이동해 지하실에 갇힌 본드는 골드핑거가 자신의 개인 조종사인 푸시 갈로어(Honor Blackman)가 이끄는 플라잉 서커스 비행단이 낙스 요새(Fort Knox) 인근에, 24시간 동안 완전히 무의식 상태로 만들고 대기에 살포한 지 15분만에 흩어져 사라지는 눈에 보이지 않는 신경가스를 살포하여 낙스 요새 인근에 주둔하고 있는 군대를 동원할 수 없게 만든 후, 자신의 기동 부대를, 미국의 전체 금 공급량인 150억 달러어치의 금괴가 보관되어 있는 낙스 요새의 금괴 창고에 침투시키고, 중국 공산당 요원인 핵분열 전문가 링(Burt Kwouk)을 통해 중국으로부터 얻은 원자탄을 터뜨려 모든 금괴를 58년간 방사능에 오염되게 하여, 서방 세계를 경제적 혼란에 빠뜨리고 자신이 보유한 금의 가치를 높이려는 그랜드 슬램 작전을 준비하고 있다는 것을 알게 된다.

"Do you expect me to talk?"

(당신은 내가 말하기를 바라시오?)

"No, Mr. Bond, I expect you to die!"

(아니오, 본드 씨, 난 당신이 죽기를 바라오!)

'007 살인 번호'가 제임스 본드 시리즈의 포문을 연 영화이고, '007 위기일발'이 제임스 본드와 제임스 본드 시리즈가 정체성을 찾아가는 과정의 영화라면, '007 골드핑거'는 제임스 본드와 제임스 본드 시리즈가 마침내 영화사상 가장 길고 성공적인 프랜차이즈가 되기 위한 자체적 캐릭터와 자체적 장르를 구축하기 시작한 기점이 되는 영화이다.

제임스 본드 영화의 정형화된 오프닝이 '007 골드핑거'에서 정립된다. 몬티 노먼이 작곡한 제임스 본드 시리즈의 주제 음악 '제임스 본드 테마 (James Bond Theme)'가 흘러나오면서, 앞을 향해 걸어가던 본드가 갑자기 몸을 돌려 자신을 겨눈 총구를 향해 총을 쏘자, 이내 총열 이미지의 화면이 피로 빨갛게 물드는, 이른바 총열 시퀀스(Gun barrel sequence)가 나오고, 이어서 맛보기로 본드의 액션을 보여 주는 프리-타이틀 시퀀스(Pre-title sequence)와, 유명 가수가 부르는 타이틀곡과 감각적인 이미지가 함께 하는 오프닝 크레딧 시퀀스가 차례로 나온다.

또한, '007 살인 번호'와 '007 위기일발'에서 보여 준, 제임스 본드의 캐릭터와 제임스 본드 영화의 형식에 대한 아우트라인이 '007 골드핑거'에서 구체화된다. '007 골드핑거'의 프리-타이틀 시퀀스만 보아도 제임스 본드의 캐릭터가 잘 드러난다. 미끼용 바다갈매기 모형을 머리에 쓰고 적지에 침투하여, 경비원을 가볍게 때려눕히고 저장 탱크에 들어가 시한폭탄을 설치한다. 평소에 늘 하던 일인 양 능수능란하다. 그리고 잠수복 안에 입고 있던 멋진 턱시도로 바꿔 입고, 미모의 댄서 보니타(Nadja Regin)가 춤을 추고 있는 술집에 들어선다. 시한폭탄이 터지고 적의 표적이 된 위급한 상황에서도 본드는 "미결 사항(unfinished business)"을 마무리하기 위해 보니타를 따라 그녀의 방으로 가 그녀에게 키스를 한다. 본드는 죽을 수도 있는 위급한 상황에서도 당황하지 않고 여유로운 모습을 보여 준다. 심지어 위급한 상황을 즐기는 것 같기도 하다. 그리고 어떠한 위급한 상황에서도 벗어날 수 있다는 자신감을 가지고 있다. 본드는 요원으로서의 자신의 능력과 자신감으로, 세계를 정복하려는 악당들과 맞서 싸우고, 결국 세계를 구한다.

본드는 기본적으로 여자를 밟히는 바람둥이이다. 본드는 'M'의 호출을 받고 'M'의 사무실을 찾을 때마다 'M'의 비서인 머니페니(Lois Maxwell)와 시시덕거리면서 그녀의 애간장을 태운다. 본드는 자신의 성적 매력을 이용하여 여자들을 유혹하고 이용하기도 한다. '007 골드핑거'에서 본드의 유혹에 넘어간 푸시는 그랜드 슬램 작전 직전에 워싱턴에 연락하고 신경가스를 무해한 가스로 바꾸어 그랜드 슬램 작전이 실패로 돌아가게 한다.

제임스 본드 시리즈에서 본드에게 신기한 무기들과 장비들을 제공하는 'Q'는 '007 살인 번호'와 '007 위기일발'에서는 'Q'로 불려지지 않았으나, 마침내 '007 골드핑거'에서 정식으로 'Q'로 불려지면서, 본드에게 제임스 본드의 자동차로 유명한 애스턴 마틴 DB5(Aston Martin DB5)를 제공한다. '007 골드핑거'에서 첫 등장한, 차량 번호가 BMT 216A인 애스턴 마틴 DB5는, 4번째 제임스 본드 영화인 '007 썬더볼 작전 (Thunderball, 1965)'에서도 등장한다. 이후 17번째 제임스 본드 영화인 '007 골든 아이 (GoldenEye, 1995)'와 18번째 제임스 본드 영화인 '007 네버 다이 (Tomorrow Never Dies, 1998)'에서는 차량 번호가 다른 애스턴 마틴 DB5가 등장하고, 21번째 제임스 본드 영화인 '007 카지노 로얄 (Casino Royale, 2006)'에서는 차량 번호도 다르고 운전석이 왼쪽에 있는 애스턴 마틴 DB5가 등장한다. 하지만 23번째 제임스 본드 영화인 '007 스카이폴 (Skyfall, 2012)'에서는 차량 번호도 BMT 216A로 같고, 헤드라이트의 기관총과 조수석의 사출 좌석 등의 특수 기능이 탑재된, '007 골드핑거'에 등장했던 그 애스턴 마틴 DB5가 등장한다. 그리고 25번째 제임스 본드 영화인 '007 노 타임 투 다이 (No Time to Die, 2021)'에서는 차량 번호도 다르고, 헤드라이트의 기관총도 달라진 애스턴 마틴 DB5가 등장한다.

25편의 제임스 본드 영화들 중에서 '007 골드핑거'의 이야기는 '007 위기일발' 다음으로 가장 재미있다. 물론 골드핑거의 그랜드 슬램 작전에 대한 이야기가 황당하기는 하지만, '007 썬더볼 작전' 이후의, 스릴감과 긴장감 없는 만화 같은 이야기의 제임스 본드 영화들보다는 훨씬 재미있다. 푸시가 그랜드 슬램 작전 직전에 골드핑거를 배신하고 본드의 편으로 돌아서게 된 계기가 웃기기는 하지만, 푸시로 인한 영화의 마지막에서의 반전도 인상적이다.

제임스 본드 시리즈는 본드 걸을 통해 여성을 상품화하고 비하한다는 비판을 많이 받았는데, '007 골드핑거'에서는 본드 걸인 푸시 갈로어의 이름이 문제가 되었다. 골드핑거의 전용기에서 정신을 차리고 눈을 뜬 본드가 자신의 눈 앞에서 자신을 바라보고 있는 여자에게 누구냐고 묻자, 여자가 자신은 푸시 갈로어라고 대답한다. 그러자 본드가 혼잣말처럼 중얼거린다. "내가 꿈을 꾸고 있나 보군."

푸시 갈로어에서 푸시(pussy)는 "여성의 음부", "(성교의 대상으로서의) 여성"을, 갈로어(galore)는 "많이", "충분히"를 의미한다. 푸시 갈로어는 지극히 여성을 성적 대상으로만 생각하고 지은 이름이다. 푸시 갈로어라는 이름이 담고 있는 의미를 감안한다면, 처음에는 레즈비언처럼 나오는 푸시가 외양간에서 본드와 관계를 가진 후에, 즉 남성을 경험한 후에 갑자기 골드핑거를 배신하고 본드의 편으로 돌아서는 이야기는 다분히 여성을 비하하는 것으로 느껴질 수 있는 이야기이다.

한국 관객들에게는 흥미롭게도 '007 골드핑거'에서 골드핑거의 말 못하는 심복인 오드잡이 한국인으로 설정되어 있다. 자신의 중절모를 프리스비처럼 날려 조각상을 두 동강 내고, 한 손으로 골프공을 부수어 버리는 오드잡은 할리우드 영화사에서도 유명한 악당 중 하나이다.

'007 골드핑거'에서도 '007 살인 번호'와 '007 위기일발'에 이어 버나드 리가 'M'을, 로이드 맥스웰이 머니페니를 연기한다. '007 위기일발'에서 장비 담당관 부스로이드(Desmond Llewelyn)를 연기한 데스몬드 렐웰린이 '007 골드핑거'에서도 'Q'를 연기한다.

'007 골드핑거'의 음악은 '007 위기일발'에 이어 존 배리가 담당했으며, '007 골드핑거'의 타이틀곡인 'Goldfinger'는 존 배리가 작곡하고, 레슬리 브리커스와 안소니 뉴레이가 작사하고, 영국 웨일스의 가수 셜리 배시가 불렀다. 셜리 배시는 7번째 제임스 본드 영화인 '007 다이아몬드는 영원히 (Diamonds Are Forever, 1971)'와 11번째 제임스 본드 영화인 '007 문레이커 (Moonraker, 1979)'의 타이틀곡도 부른다.

007 위기일발 (From Russia with Love, 1963)

unforgettable — Thu, 5 Dec 2024 23:25:34 +0900

'007 위기일발'은 2024년 현재 모두 25편이 제작된 제임스 본드 시리즈의 포문을 연 '007 살인 번호 (Dr. No, 1962)'에 이은 2번째 제임스 본드 영화로, 이언 플레밍의 5번째 제임스 본드 소설인 '러시아로부터, 사랑과 함께 (From Russia, with Love)'를, '007 살인 번호'의 각본을 쓴 조해나 하우드가 각색을 하고, 리처드 메이바움이 영화의 각본을 썼으며, '007 살인 번호'에 이어 테렌스 영 감독이 영화를 연출하였다. 현재도 '007 위기일발'은 25편의 제임스 본드 영화들 중에서 3번째 제임스 본드 영화인 '007 골드핑거 (Goldfinger, 1964)'와 더불어 최고의 제임스 본드 영화로 꼽히곤 한다.

'007 살인 번호'에서 닥터 노(Joseph Wiseman)에 의해 언급된 국제 범죄 조직 스펙터에서 서열 1위인 에른스트 블로펠드(?)가 '007 위기일발'에 등장한다. 하지만 고양이를 쓰다듬는 손만 보여 주고 얼굴을 보여 주지 않기 때문에 에른스트 블로펠드를 연기하는 배우가 누구인지 알 수 없는데, 엔딩 크레딧에서도 배우의 이름 없이 물음표 "?"로만 표시되어 있다 - 에른스트 블로펠드를 연기하는 배우는 '007 살인 번호'에서 덴트 교수(Anthony Dawson)를 연기한 안소니 도슨이며, 에른스트 블로펠드의 목소리는 에릭 폴만(Eric Pohlmann)이라는 배우의 것이다.

블로펠드가 스펙터에서 서열 3위인 로사 클랩(Lotte Lenya)에게 태국버들붕어(Siamese fighting fish)에 대해 설명해 준다. "태국버들붕어. 정말 멋진 생물이지. 용감하지만 대체로 어리석지. ... 다른 둘을 서로 싸우게 하고 자신은 기다리지. 싸움에서 이긴 놈이 지쳐서 스스로를 방어할 수 없게 될 때까지 기다리지. 그리고 일격을 가하지, 스펙터처럼."

스펙터에서 서열 5위인 체스 챔피언 크론스틴(Vladek Sheybal)이 터키에 있는 러시아 암호부 여직원과 영국 비밀 정보국을 이용하여 러시아의 새 암호 해독기 "렉터"를 손에 넣고, 더불어 닥터 노를 죽인 제임스 본드(Sean Connery)에게 복수하기 위한 계획을 블로펠드에게 설명한다. 그리고 클랩은 크론스틴의 계획을 실행에 옮기기 위해, 클랩을 여전히 소련 정보국 스메르쉬(Smersh)의 국장인 클랩 대령으로 알고 있고, 클랩이 지금은 스펙터를 위해 일하고 있는 사실을 알지 못하는 러시아 국가 안전부의 상등병 타티아나(Daniela Bianchi)를 몰래 불러내, 그녀에게 그녀의 미모와 "렉터"로 본드를 유인하여 함정에 빠뜨리기 위한 임무를 부여하고, 본드를 죽이고 "렉터"를 손에 넣기 위해 스펙터 섬의 요원 양성 훈련장에서 가장 우수한 살인 병기 그랜트(Robert Shaw)를 차출한다.

이스탄불의 러시아 영사관에서 일하는 타티아나는 클랩의 지시에 따라, MI6(Military Intelligence 6, 영국 비밀 정보국)의 터키 지사 책임자인 케림 베이(Pedro Armendariz)를 통해, 본드가 직접 이스탄불로 와서 자신과 "렉터"를 영국으로 데리고 가는 조건을 내걸고 영국으로의 망명을 요청한다. '007 살인 번호'에서 임무를 위해 자메이카로 떠나기 전 카지노에서 만난 실비아(Eunice Gayson)와 달콤한 시간을 보내고 있던 본드는 MI6 국장 "M"(Bernard Lee)의 호출을 받고, "M"은 타티아나가 내건 조건이 "렉터"를 미끼로 한 함정이라는 것을 알면서도 "렉터"를 손에 넣기 위해 007을 이스탄불로 보낸다.

25편의 제임스 본드 영화들 중에서 '007 위기일발'의 이야기가 가장 짜임새가 있고 재미있다. 태국버들붕어처럼 스펙터는 영국과 러시아를 서로 싸우게 하고, 본드가 클랩의 지시에 따르는 타티아나의 도움으로 러시아 영사관에 있는 "렉터"를 손에 넣을 때까지 기다린다. 클랩을 여전히 스메르쉬의 국장인 클랩 대령으로 알고 있는 타티아나는 모국인 러시아를 위한 일이라 생각하고 클랩의 지시에 따라 본드에게 접근하고, 러시아 영사관에 침입하여 "렉터"를 훔치려는 본드에게 러시아 영사관의 평면도와 "렉터"에 대한 정보를 몰래 전달하기도 하지만, 그 과정에서 본드와 사랑에 빠지고 만다.

'007 위기일발'이 보여 주는 액션 장면들도 인상적이다. '007 위기일발'에서 본드와 그랜트가 기차 객실에서 몸싸움을 벌이는 장면은 유명하다. 본드가 벌판에서 헬리콥터의 공격을 받는 장면은 알프레드 히치콕 감독의 '북북서로 진로를 돌려라 (North by Northwest, 1959)'에서 영화의 주인공인 로저 O. 쏜힐(Cary Grant)이 벌판에서 경비행기의 공격을 받는 장면을 연상시킨다. 모터보트 액션 장면도 상당히 인상적이다.

사실 제임스 본드 시리즈는 4번째 제임스 본드 영화인 '007 썬더볼 작전 (Thunderball, 1965)'부터 스릴감과 긴장감 없는 만화 같은 이야기의 영화로 변질된다. 게다가 영화 제작 당시의 영화 제작 기술이 감당할 수 없는, 현실감도 떨어지고 허세만 가득한 영화의 이야기로 인해, 오히려 더 어색하고 허접한 영상들을 보여 준다. 이러한 제임스 본드 영화들에 많은 관객들이 식상해하자, 결국 21번째 제임스 본드 영화인 '007 카지노 로얄 (Casino Royale, 2006)'부터는 제임스 본드(Daniel Craig)가 MI6의 요원 007이 되는 이야기로 시작하는 새로운 제임스 본드 시리즈로 리부트되기도 했다. 하지만 '007 위기일발'은 당시의 냉전 시대를 배경으로 한, 스릴감과 긴장감이 넘치는 영화의 이야기와, 당시의 영화 제작 기술이 충분히 감당할 수 있는 절제된 영상들로 관객들에게 재미를 선사한다.

'007 위기일발'은 끝까지 긴장감을 놓치지 않게 한다. 클랩은 자신이 직접 본드에게서 "렉터"를 빼앗고 본드를 죽이기 위해 호텔의 객실 담당 여자로 위장하여 본드와 타티아나 앞에 나타난다. 타티아나가 지금껏 자신이 클랩에게 속아 이용당했다는 것을 알게 된 사실을 알지 못하는 클랩은 본드에게 총을 겨눈 채 타티아나에게 "렉터"를 가지고 호텔방을 먼저 나가라고 지시한다. 하지만 타티아나는 순식간에 클랩을 향해 돌진하고, 클랩이 떨어뜨린 총으로 클랩을 사살한다. 클랩은 자신이 속인 타티아나에게 도리어 자신이 속은 셈이다. 블로펠드가 클랩에게 이미 말했었다. "태국버들붕어. ... 용감하지만 대체로 어리석지. ... 스펙터처럼."

'007 위기일발'에서도 '007 살인 번호'에 이어 버나드 리가 "M"을, 로이드 맥스웰이 "M"의 비서 미스 머니페니(Lois Maxwell)를 연기한다. '007 위기일발'에서는 "M"이 장비 담당관이라고 부르는 부스로이드(Desmond Llewelyn)는 '007 살인 번호'에 이어 '007 위기일발'에서도 여전히 Q라고 불려지지는 않지만, "M"이 부스로이드를 호출하면서 본드에게 "Q 분과에서 똑똑해 보이는 가방을 만들었어."라고 말한다. '007 위기일발'에서 부스로이드를 처음 연기한 데스몬드 렐웰린은 Q가 등장하지 않는 8번째 제임스 본드 영화인 '007 죽느냐 사느냐 (Live And Let Die, 1973)'를 제외하고 19번째 제임스 본드 영화인 '007 언리미티드 (The World Is Not Enough, 1999)'까지 Q를 연기한다.

'007 위기일발'에서 스펙터 일당인 모르제니(Walter Gotell)를 연기하는 월터 고텔은 10번째 제임스 본드 영화인 '007 나를 사랑한 스파이 (The Spy Who Loved Me, 1977)'에 처음 등장한 이후 5편의 제임스 본드 영화에 연달아 등장하는, 모르제니와 완전히 다른 캐릭터인 고골 장군(Walter Gotell)을 연기한다. 또한 '007 위기일발'에서 집시의 족장 바브라(Francis de Wolff)의 아들을 두고 서로 싸우는 두 집시 여인들 중 하나인 조라(Martine Beswick)를 연기하는 마틴 베스윅은 '007 썬더볼 작전'에서는 조라와 완전히 다른 캐릭터인 파울라(Martine Beswick)를 연기한다.

'007 위기일발'의 음악은 존 배리가 담당했으며, '007 위기일발'의 타이틀곡인 'From Russia with Love'는 라이오넬 바트가 작사, 작곡하고, 영국의 가수 맷 먼로가 불렀다.

몬티 노먼이 작곡한 제임스 본드 시리즈의 주제 음악 '제임스 본드 테마 (James Bond Theme)'가 흘러나오면서, 앞을 향해 걸어가던 본드가 갑자기 몸을 돌려 자신을 겨눈 총구를 향해 총을 쏘자, 이내 총열 이미지의 화면이 피로 빨갛게 물드는, 이른바 총열 시퀀스(Gun barrel sequence)가 나오고, 이어서 맛보기로 본드의 액션을 보여 주는 프리-타이틀 시퀀스(Pre-title sequence)와, 유명 가수가 부르는 타이틀곡과 감각적인 이미지가 함께 하는 오프닝 크레딧 시퀀스가 차례로 나오는, 제임스 본드 영화의 정형화된 오프닝은 유명하다. 하지만 제임스 본드 영화의 정형화된 오프닝은 '007 골드핑거'에서 정립된다. '007 위기일발'에서는 '제임스 본드 테마'와 함께 총열 시퀀스와 프리-타이틀 시퀀스, 그리고 오프닝 크레딧 시퀀스가 차례로 나오기는 하지만, 오프닝 크레딧 시퀀스에서 맷 먼로가 부르는 타이틀곡 대신에, 'James Bond Is Back', 'From Russia with Love', '제임스 본드 테마'의 3곡이 메들리로 연주되는 음악이 흘러나온다.

007 살인 번호 (Dr. No, 1962)

unforgettable — Thu, 5 Dec 2024 23:24:55 +0900

"Bond, James Bond."

(본드, 제임스 본드입니다.)

미국 영화 연구소(American Film Institute, AFI)가 2005년에 선정한 "위대한 미국 영화 대사 100 (AFI's 100 Years...100 Movie Quotes)"에서 22위를 차지한 제임스 본드(Sean Connery)의 이 대사는 현재는 한 캐릭터의 이름을 넘어 영화사상 가장 길고 성공적인 프랜차이즈의 제목이 되어 있다. 제임스 본드 시리즈는 '007 살인 번호'로부터 출발하여, 2024년 현재 '007 노 타임 투 다이 (No Time to Die, 2021)'에 이르기까지 모두 25편이 제작되었다.

제임스 본드는 영국 비밀 정보국 MI6(Military Intelligence 6)의 요원으로, 코드 번호는 007이다. 제임스 본드는 영국 작가 이언 플레밍의 첩보 소설에 등장하는 주인공 캐릭터로, 이언 플레밍은 제임스 본드를 주인공으로 한, 12편의 장편 소설과, 9편의 단편 소설을 모아 엮은 2편의 단편집을 썼다.

영화 제작자 해리 잘츠만은 이미 다른 영화 제작자에게 판권이 넘어간 '카지노 로얄 (Casino Royale)'과 '썬더볼 작전 (Thunderball)'을 제외한 모든 제임스 본드 소설의 판권을 이언 플레밍으로부터 구입하고, 제임스 본드 시리즈를 제작하기 위하여 영화 제작자 알버트 R. 브로콜리와 함께 영화 제작사 이언 프로덕션스(Eon Productions)를 설립한다. 그리고 125만 달러의 제작비를 마련하여 테렌스 영 감독에게 전격 연출을 맡겼는데, 그렇게 해서 탄생한 영화가 바로 제임스 본드 시리즈의 포문을 연 첫 번째 제임스 본드 영화인 '007 살인 번호'이다.

'007 살인 번호'의 각본은 이언 플레밍의 6번째 제임스 본드 소설인 '닥터 노 (Dr. No)'를 바탕으로 리처드 메이바움, 조해나 하우드, 버클리 마더가 썼다. '007 살인 번호'의 원제목도 '닥터 노'인데, 닥터 노(Joseph Wiseman)는 영화에 등장하는 악당이다. '007 살인 번호'라는 한국 제목은 영화에서 MI6 국장인 M.(Bernard Lee)의 대사에서 따온 것이다. 본드가 자신의 오래된 베레타(Beretta) 권총을 발터 PPK(Walther PPK)로 바꾸어 주려는 M.에게 자신은 10년간 이 베레타를 사용했고 아직까지 빗맞힌 적이 없다고 말하자, M.이 본드에게 말한다. "그랬겠지. 하지만 직전 임무에서 그 베레타가 고장나는 바람에, 그 결과 자네는 6개월 동안 병원 신세를 지지 않았나. 자네의 00 번호는 살인 면허의 의미이지 살인당하라는 의미가 아니네. ..."

케이프커내버럴(Cape Canaveral)의 로켓들이 자메이카 지역에서 나오는 라디오 전파로 인해 방해받는 일들이 발생하자, 미국 중앙 정보국 CIA(Central Intelligence Agency)는 펠릭스 라이터(Jack Lord)를 자메이카에 보내, MI6의 자메이카 지사 책임자인 스트랭웨이스와 함께 이를 조사하도록 한다. 하지만 스트랭웨이스와 그의 비서가 실종되는 사건이 발생하고, M.은 스트랭웨이스에게 무슨 일이 생긴 건지 알아보기 위해 007을 자메이카의 킹스턴으로 보낸다. 본드는 라이터와 케이맨(Cayman Islands) 섬사람 쿼렐(John Kitzmuller)로부터 닥터 노와 그의 섬 크랩 키에 대한 이야기를 듣게 되고, 쿼렐과 함께 크랩 키 섬에 잠입한다. 본드는 크랩 키 섬에서 조개껍질을 줍는 미모의 허니 라이더(Ursula Andress)를 만나고, 이들은 곧 냉혹한 과학자의 마수에 걸려들게 된다. 닥터 노는 자신의 범죄 조직에 본드를 끌어들이려고 하지만, 본드는 원자력 에너지를 이용하여 만든 라디오 전파를 쏘아, 미국의 머큐리 우주선(Mercury Spacecraft) 발사를 방해하려는 닥터 노의 음모를 저지하려 한다.

'007 살인 번호'는 아무래도 1960년대에 제작된 영화이다 보니, 영화의 이야기 전개 방식과 영상미, 액션 등이, 최근에 제작된 제임스 본드 영화들과 비교하면 유치하다 싶을 정도로 차이가 많이 난다. 게다가 '007 살인 번호'는 제작 당시의 기준으로도 초저예산으로 제작되어, '007 살인 번호'의 뜻밖의 엄청난 흥행 성공으로 1년 뒤에, '007 살인 번호'에 투입된 제작비의 2배를 투입하여 제작된 2번째 제임스 본드 영화 '007 위기일발 (From Russia with Love, 1963)'과 비교해도 차이가 많이 난다. 그럼에도 불구하고 '007 살인 번호'의 이야기 자체는 4번째 제임스 본드 영화인 '007 썬더볼 작전 (Thunderball, 1965)' 이후의, 스릴감과 긴장감 없는 만화 같은 이야기의 제임스 본드 영화들보다는, 투박하기는 하지만 과장되지 않고 담백한 재미가 있다.

테렌스 영 감독은 '007 살인 번호'의 흥행 성공으로 '007 위기일발'과 '007 썬더볼 작전'도 연출하는데, 그는 모두 3편의 제임스 본드 영화를 연출했다.

'007 살인 번호'에서 제임스 본드를 연기한 숀 코너리는 이전까지는 이렇다 할 대표작이 없었다가 제임스 본드 시리즈를 계기로 일약 세계적인 스타로 급부상했다. 그는 테렌스 영 감독이 연출한 3편 외에도 3번째 제임스 본드 영화인 '007 골드핑거 (Goldfinger, 1964)', 5번째 제임스 본드 영화인 '007 두 번 산다 (You Only Live Twice, 1967)', 7번째 제임스 본드 영화인 '007 다이아몬드는 영원히 (Diamonds Are Forever, 1971)'에서 제임스 본드를 연기하여 모두 6편의 제임스 본드 영화에서 제임스 본드를 연기했다 - 물론 '007 네버 세이 네버 어게인 (Never Say Never Again, 1983)'에서도 제임스 본드를 연기하지만, '007 네버 세이 네버 어게인'은 이언 플레밍의 '썬더볼 작전'을 영화화한 제임스 본드 영화이기는 하지만, 제임스 본드 시리즈의 독점 제작사인 이언 프로덕션스에서 제작된 제임스 본드 영화가 아니기 때문에 제임스 본드 시리즈에 포함되지 않는 제임스 본드 영화이다.

제임스 본드 시리즈에서 제임스 본드와 함께 꾸준히 등장하는 캐릭터들이 있다. '007 살인 번호'에서 버나드 리가 연기하는 M.은 12번째 제임스 본드 영화인 '007 포 유어 아이스 온리 (For Your Eyes Only, 1982)'를 제외한 모든 제임스 본드 영화에 등장하는 캐릭터이다. 버나드 리는 11번째 제임스 본드 영화인 '007 문레이커 (Moonraker, 1979)'까지 M.을 연기한다.

'007 살인 번호'에서 로이스 맥스웰이 연기하는 M.의 비서 미스 머니페니(Lois Maxwell)는 21번째 제임스 본드 영화인 '007 카지노 로얄 (Casino Royale, 2006)'과 22번째 제임스 본드 영화인 '007 퀀텀 오브 솔러스 (Quantum of Solace, 2008)'를 제외한 모든 제임스 본드 영화에 등장하는 캐릭터이다. 로이스 맥스웰은 14번째 제임스 본드 영화인 '007 뷰 투 어 킬 (A View to a Kill, 1985)'까지 미스 머니페니를 연기한다.

'007 살인 번호'에서 M.이 무기 담당관이라고 부르는 부스로이드 소령(Peter Burton)은 8번째 제임스 본드 영화인 '007 죽느냐 사느냐 (Live And Let Die, 1973)'와, '007 카지노 로얄', 그리고 '007 퀀텀 오브 솔러스'를 제외한 모든 제임스 본드 영화에 등장하여 본드에게 신기한 무기들과 장비들을 제공하는 Q에 해당하는 캐릭터이다. '007 살인 번호'에 이어 '007 위기일발'에서도 부스로이드(Desmond Llewelyn)로 등장하나, '007 골드핑거'에서 'Q'(Desmond Llewelyn)로 등장한다. '007 살인 번호'에서 부스로이드 소령을 연기하는 피터 버튼은 '007 살인 번호'에서만 부스로이드 소령을 연기한다.

'007 살인 번호'에서 본드가 처음 만나는 CIA 요원이자 본드의 절친이 되는 펠릭스 라이터는 '007 살인 번호'를 포함해서 모두 10편의 제임스 본드 영화에 등장하는 캐릭터이다. '007 살인 번호'에서 펠릭스 라이터를 연기하는 잭 로드는 '007 살인 번호'에서만 펠릭스 라이터를 연기한다.

제임스 본드 시리즈에 등장하는 국제 범죄 조직 스펙터가 '007 살인 번호'에서부터 언급되는데, 닥터 노가 본드에게 말한다. "... 나는 스펙터의 멤버다. ... 스펙터는 첩보, 테러, 복수, 강탈을 집행하는 특수 조직이지.(SPECTRE, SPecial Executive for Counter-intelligence, Terrorism, Revenge and Extortion.) ..."

'007 살인 번호'의 오프닝 크레딧에서 흘러나오는 '제임스 본드 테마 (James Bond Theme)'는 몬티 노먼이 작곡하고, 존 배리가 편곡, 연주했다. '제임스 본드 테마'는 현재는 '007 살인 번호'를 넘어 제임스 본드 시리즈의 주제 음악이 되어 있다.

제임스 본드 영화의 정형화된 오프닝은 유명하다. '제임스 본드 테마'가 흘러나오면서, 앞을 향해 걸어가던 본드가 갑자기 몸을 돌려 자신을 겨눈 총구를 향해 총을 쏘자, 이내 총열 이미지의 화면이 피로 빨갛게 물드는, 이른바 총열 시퀀스(Gun barrel sequence)는 제임스 본드 시리즈의 트레이드마크나 다름없다. 총열 시퀀스에 이어, 맛보기로 본드의 액션을 보여 주는 프리-타이틀 시퀀스(Pre-title sequence)가 나오고, 이어서 유명 가수가 부르는 타이틀곡과 감각적인 이미지가 함께 하는 오프닝 크레딧 시퀀스가 나온다.

이러한 제임스 본드 영화의 정형화된 오프닝은 '007 골드핑거'에서 정립된다. '007 살인 번호'에서는 총열 시퀀스가 나오기는 하지만, '제임스 본드 테마'가 총열 시퀀스가 아닌 오프닝 크레딧 시퀀스에서 흘러나온다. '007 살인 번호'는 제임스 본드 시리즈에서 프리-타이틀 시퀀스와 타이틀곡이 없는 유일한 제임스 본드 영화이다.

제임스 본드 영화들을 보면 본드에게 항상 미모의 여자들과 술이 따라다닌다. 본드의 여성 편력은 화려하다. 본드 걸이라는 말까지 생겼을 정도다. 새로운 제임스 본드 영화가 나올 때마다 새로운 본드 걸과 새로운 본드 걸을 연기하는 미모의 여배우에 대한 관객들의 관심도 크다. '007 살인 번호'의 본드 걸인 허니 라이더가 비키니를 입은 채 바다에서 육지로 걸어 나오는 장면은 유명하다. '007 살인 번호'에서 허니 라이더를 연기하는 우슬라 안드레스는 이언 프로덕션스의 제임스 본드 시리즈에 포함되지 않는 '007 카지노 로얄 (Casino Royale, 1967)'에서는 베스퍼 린드(Ursula Andress)를 연기했다.

'007 살인 번호'에서 호텔의 웨이터가 본드에게 "본드 씨가 말씀하신 대로 젓지 않고 섞은 약간 쌉쌀한 보드카 마티니입니다."라고 말하는 장면이 있다. 닥터 노도 본드에게 "레몬 껍질을 넣은, 젓지 않고 흔든 약간 쌉쌀한 마티니입니다."라고 말한다. 본드의 취향이 드러나는 이 대사는 제임스 본드 영화들에서 심심찮게 나오는 대사이다. "보드카 마티니 한 잔, 젓지 말고 흔들어서.(A vodka martini, shaken, not stirred.)"

슈퍼맨 (Superman, 1978)

unforgettable — Fri, 22 Nov 2024 20:55:18 +0900

'슈퍼맨'은 오프닝 크레딧 직전에, 1938년 6월 슈퍼맨이 처음 모습을 드러낸 DC코믹스의 만화 잡지 '액션 코믹스 (Action Comics)'를 읽는 소년의 내레이션을 통해 슈퍼맨이 자신의 정체를 숨기고 기자로 일하는 대도시 메트로폴리스의 신문사 데일리 플래닛에 대해 설명해 주는 장면으로 시작한다. DC코믹스는 마블코믹스와 함께 미국 만화 시장의 80% 가량을 차지하고 있는 만화책 출판사로, 슈퍼 히어로를 소재로 한 만화의 세계를 개척한 회사 가운데 하나다. 슈퍼맨, 배트맨, 원더우먼, 그린랜턴, 왓치맨, 아쿠아맨 등이 DC코믹스를 대표하는 슈퍼 히어로들이다.

슈퍼맨의 원작자는 고교 동창 제리 시겔과 조 슈스터였다. 10대의 소년이었던 두 사람은 당시 인기가 있었던 탐정 소설 등에서 영감을 받아 슈퍼맨 캐릭터를 만들었고 1933년부터 여러 출판사에 슈퍼맨 만화를 보냈지만 계속해서 퇴짜를 맞았다. 이런 가운데 DC코믹스가 '액션 코믹스'를 창간하면서 신인들에게 기회를 주었고 이렇게 해서 슈퍼맨은 탄생했다.

'슈퍼맨'은 리차드 도너 감독이 연출하였으며, '슈퍼맨'의 각본은 '대부 (The Godfather, 1972)'의 원작 소설과 각본을 쓴 마리오 푸조와, 데이빗 뉴먼, 레슬리 뉴먼, 그리고 아카데미 작품상을 수상한 '크레이머 대 크레이머 (Kramer vs. Kramer, 1979)'로 아카데미 감독상과 아카데미 각본상을 수상한 로버트 벤튼이 썼다. '슈퍼맨'의 촬영은 '2001 스페이스 오딧세이 (2001: A Space Odyssey, 1968)', '카바레 (Cabaret, 1972)' 등에서 촬영을 담당한 제프리 언스워스가 담당했는데, 그는 '슈퍼맨'의 촬영이 끝난 직후에 심장마비로 사망했다. '슈퍼맨'은 "사랑과 존경을 담아 이 영화를 제프리 언스워스에게 바칩니다."라는 자막으로 시작한다. '슈퍼맨'의 음악은 '스타 워즈 (Star Wars, 1977)'의 음악을 담당한 존 윌리엄스가 담당했다.

'슈퍼맨'에서 대배우인 말론 브란도와 진 핵크만이 각각 슈퍼맨(Christopher Reeve)의 아버지 조르-엘(Marlon Brando) 역과 악당 렉스 루터(Gene Hackman) 역으로 출연한다. 말론 브란도와 진 핵크만은 '슈퍼맨'에서 조연역을 맡았고, 심지어 영화에 많이 등장하지 않는데도 이들의 이름이 오프닝 크레딧에서 가장 먼저, 슈퍼맨 역의 크리스토퍼 리브의 이름보다도 먼저 등장한다.

'슈퍼맨'의 오프닝 장면은 유명하다. '스타 워즈'의 오프닝 음악만큼이나 유명한 '슈퍼맨'의 오프닝 음악과 함께, 독창적인 3차원 효과 컴퓨터 그래픽의 오프닝 크레딧이 나오고, 이어서 '2001 스페이스 오딧세이'의 오프닝 장면에서 웅장하게 울려 퍼지는 리하르트 슈트라우스(Richard Georg Strauss)의 '차라투스트라는 이렇게 말했다 (Also sprach Zarathustra)'와 비슷한 분위기의 음악이 웅장하게 울려 퍼지면서 슈퍼맨의 고향인 크립톤 행성을 보여 준다.

크립톤 행성의 가장 위대한 과학자들 중 한 명인 조르-엘은 행성이 곧 폭발할 것이라는 사실을 알고, 28개의 알려진 은하계에 속한 수많은 세계의 학식과 과학적 사실을 담은 푸른 수정과 함께 갓 태어난 아들 칼-엘(Lee Quigley)을 지구로 보낸다. 칼-엘이 탄 작은 우주선은 조나단 켄트(Glenn Ford)와 마사 켄트(Phyllis Thaxter) 부부 앞에 떨어지고, 아이가 없던 그들은 하늘에서 떨어진 그 아이를 데려와 클락 켄트(Aaron Smolinski)라 부르며 키운다.

어느덧 청년으로 성장한 클락 켄트(Jeff East)는 지금껏 양아버지의 조언에 따라 자신의 능력을 숨기고 살아왔지만, 자신이 누구인지, 지구에 온 이유가 무엇인지 등에 대한 궁금증은 날이 갈수록 높아 간다. 양아버지가 심장마비로 죽자, 무엇이든 할 수 있는 능력을 가졌음에도 양아버지를 구하지 못한 죄책감으로 괴로워하던 클락은 외양간에서 푸른 수정을 발견하고, 알지 못하는 힘에 끌려 북쪽으로 가게 된다. 클락은 그곳에서 발견한 "고독의 요새"에서 자신의 진짜 아버지 조르-엘로부터 그동안의 궁금증을 풀게 된다.

오늘날 슈퍼 히어로 영화들은 끊임없이 나오는 화려한 특수 효과와 액션 장면들로 관객들에게 상당한 볼거리를 제공하지만, 그것들에 너무 치중한 나머지 관객들에게 전달하는 메시지는 빈약하거나, 메시지가 아예 없는 슈퍼 히어로 영화들도 있다. 반면에 '슈퍼맨'은 슈퍼 히어로 영화임에도 액션 장면은 많이 나오지 않는다. 게다가 '슈퍼맨'이 보여 주는 특수 효과와 액션 장면들은, 당시의 기준으로 제작비가 가장 많이 투입된 영화이기는 하지만, 아무래도 당시의 영화 제작 기술의 한계로 오늘날 슈퍼 히어로 영화들이 보여 주는 화려한 특수 효과와 액션 장면들과 비교하면 많이 허접하다. 하지만 '슈퍼맨'은 오늘날 슈퍼 히어로 영화들과는 확실히 다른 방식으로 관객들을 영화에 끌어들이고 있는 슈퍼 히어로 영화이다.

'슈퍼맨'은 슈퍼 히어로 영화임에도 이 영화의 슈퍼 히어로인 슈퍼맨은 영화가 시작되고 거의 한 시간 반 가까이 지나서야, 즉 데일리 플래닛에서 클락 켄트(Christopher Reeve)와 함께 일하는 여기자 로이스 레인(Margot Kidder)이 탄 헬리콥터가 케이블에 걸려 데일리 플래닛의 빌딩 옥상 끝에 아슬하게 매달려 있는 순간에 등장하여, 헬리콥터에서 떨어진 로이스를 구해 주는 등 슈퍼 히어로서의 활약을 보여 준다. 게다가 '슈퍼맨'은 오늘날 슈퍼 히어로 영화와 비교하면 사건 전개가 상당히 느리다. 예를 들어 경찰관들이 루터를 잡기 위해 그의 부하 오티스(Ned Beatty)를 미행하는 장면이나, 슈퍼맨이 로이스와 인터뷰를 하고 함께 하늘을 날며 데이트를 즐기는 장면을 꽤 오랫동안 보여 준다.

상영 시간이 세 시간이 조금 넘는 '슈퍼맨'에서 처음 한 시간 동안은 슈퍼맨의 기원에 대한 이야기를 다루는데, 슈퍼맨이 등장하기 전이라 관객들의 시선을 끌 만한 액션 장면은 나오지 않는다. 하지만 자신이 누구인지, 지구에 온 이유가 무엇인지 등에 대해 궁금해하는 클락처럼 관객들도 슈퍼맨이 언제, 어떻게 등장할 지에 대해 궁금해하면서 영화에 몰입하게 된다. 또한 슈퍼맨의 기원을 다룬 이야기에서 예수를 상징하는 이야기들로 관객들의 흥미를 끈다. '슈퍼맨'에서 슈퍼맨과 조르-엘은 마치 자신들이 각각 예수와 하느님인 양 말하고 행동한다. 조르-엘은 "고독의 요새"를 찾은 클락에게 "인간처럼 길러졌지만 너는 인간이 아니다."라고 말한다. 그리스도교인들은 예수를 인간의 모습으로 나타난 신으로 여긴다. 신약 성서에서는 예수를 하느님의 유일한 아들이라고 표현한다. 계속해서 조르-엘이 클락에게 말한다. "인간처럼 그들과 함께 살면서 너의 능력과 너의 힘이 필요한 곳을 찾아라. ... 그들은 위대한 사람들이 될 수 있다. 그들도 그렇게 되기를 바라고 있다. 다만 그들을 바른 길로 인도하는 자가 없을 뿐이다. 무엇보다도 그런 이유와, 그들의 가능성 때문에 내 유일한 아들인 너를 그들에게 보낸 것이다."

슈퍼맨의 기원을 다룬 이야기가 끝나고 클락이 자신의 정체를 숨기고 데일리 플래닛에서 기자로 일하게 된 이후부터는 영화의 분위기가 갑자기 코믹한 분위기로 바뀐다. 슈퍼맨이 언제, 어떻게 등장할 지에 대해 궁금해하며 영화에 몰입한 관객들이 궁금증이 어느 정도 풀린 이후부터는 코믹하고 재미있는 이야기들로 관객들을 영화에 끌어들이고 있는 것이다. 이 이야기들은 황당하지만 '슈퍼맨'의 원작이 만화라는 것을 고려하면 오히려 기발하다는 생각마저 든다. 재미있는 악당 루터와 그의 일당, 오티스와 이브 테쉬마커(Valerie Perrine)는 관객들에게 상당한 웃음을 선사한다. 산안드레아스 단층선을 경계로 동쪽의 사막을 사들인 후, 군사 미사일을 은밀히 조작하여 산안드레아스 지역에 떨어뜨려 지진을 일으키고, 캘리포니아 서부 해안 지역을 바닷속으로 가라앉혀 버림으로써 자신이 소유한 땅이 새로운 서부 해안 지역이 되어 땅값이 올라가고, 이 땅을 다시 팔아서 한몫 크게 챙기려는 루터의 계획은 상당히 인상적이다. 또한, 로이스가 지진으로 흙더미에 깔려 죽자, 로이스를 구하지 못한 죄책감으로 괴로워하던 슈퍼맨이 인간의 역사에 간섭해서는 안 된다는 아버지 조르-엘의 경고를 무시하고 지구의 자전 방향을 일시적으로 바꾸어 시간을 되돌리는 이야기도 상당히 인상적이다.

'슈퍼맨'은 사실상 슈퍼 히어로 영화 장르의 길을 닦은 영화라고 평가받고 있는 슈퍼 히어로 영화이다. 어느 영화 평론가는 '슈퍼맨'이 없었다면 배트맨(Batman) 영화도, 엑스맨(X-Man) 영화도, 아이언맨(Iron Man) 영화도 없었을 것이라고 말했다.

'슈퍼맨'의 초반부에 조드-엘이 반역과 폭동 혐의로 기소한 조드 장군(Terence Stamp)과 그의 일당인 논(Jack O'Halloran)과 얼사(Sarah Douglas)가 유죄 판결을 받고 "팬텀 존"에 갇혀 우주로 추방되는 장면이 있는데, 이들은 이 장면 이후에 더이상 영화에 등장하지 않는다. 이들의 이야기는 '슈퍼맨 2 (Superman II, 1980)'에서 이어진다. 사실 '슈퍼맨'과 '슈퍼맨 2'의 제작이 동시에 진행되었는데, '슈퍼맨'이 완성되고 '슈퍼맨 2'가 75% 가량 완성된 상황에서 리차드 도너 감독이 제작자와의 불화로 해고되고, 리차드 레스터 감독이 '슈퍼맨 2'를 완성시켜 개봉했다. 2006년에 리차드 도너 감독이 촬영한 장면들을 복구하고 재편집한 '슈퍼맨 2 : 리차드 도너 컷 (Superman II: The Richard Donner Cut, 2006)'이 DVD와 블루레이로 출시되었다.

서부 개척사 (How the West Was Won, 1962)

unforgettable — Thu, 14 Nov 2024 21:21:00 +0900

"이 땅은 오늘날에는 이름도 있고 지도에도 표시되어 있다. 그러나 이름과 표시, 그리고 그 땅은 피땀으로 얻은 것들이다. 자연과 원주민으로부터 피땀 흘려 얻은 것들이다. 5세대 전에, 그러니까 125년 전만 해도 이 땅은 그저 서부로만 알려져 있었고, 비버를 찾아 광활한 땅을 떠돌아다니는 외로운 덫사냥꾼인 소수의 백인들에게만 알려져 있었다. ..."

내레이터(Spencer Tracy)인 스펜서 트레이시의 내레이션으로 시작하는 '서부 개척사'는 서부로 이주하는 한 가족의 삼대에 걸친 이야기를 중심으로 미국의 서부 개척사를 다룬 서부 영화이다. '서부 개척사'의 각본은 미국의 잡지 '라이프 (Life)'에 연재된 'How the West Was Won'을 바탕으로 제임스 R. 웹이 썼다.

'서부 개척사'는 제불론 프레스콧(Karl Malden) 가족의 이야기를 중심으로 서부로의 이주를 다룬 "강 (The Rivers)", 제불론의 둘째 딸인 릴리스 프레스콧(Debbie Reynolds)의 이야기를 중심으로 캘리포니아의 골드러시를 다룬 "평원 (The Plains)", 제불론의 첫째 딸인 이브 프레스콧(Carroll Baker)의 장남인 제브 롤링스(George Peppard)의 이야기를 중심으로 미국 남북 전쟁을 다룬 "남북 전쟁 (The Civil War)", 서부의 기병대 중위가 된 제브의 이야기를 중심으로 서부의 문명화를 가져다준 서부의 철도 건설을 다룬 "철도 (The Railroad)", 마지막으로 보안관인 제브가 서부의 무법자들을 처단하는 이야기를 다룬 "무법자 (The Outlaws)"의 다섯 이야기로 구성되어 있다.

'서부 개척사'는 명작이라기보다는 대작인 영화이다. '서부 개척사'는 작품성이 뛰어나 널리 알려진 영화는 아니지만, 세 명의 영화감독이 연출하고, 당시 할리우드를 대표하는 수많은 영화배우들이 출연하고, 와이드 스크린 방식의 시네라마(Cinerama)로 제작된 그야말로 대작인 영화이다. '서부 개척사'는 세 명의 영화감독이 다섯 이야기를 나누어 연출하였는데, 존 포드 감독이 "남북 전쟁"을, 조지 마샬 감독이 "철도"를, 헨리 헤서웨이 감독이 "강", "평원", "무법자"를 연출하였다. 그리고 할리우드의 전설적인 영화배우들이 '서부 개척사'에 총출동했는데, 내레이터 스펜서 트레이시를 포함하여, 제임스 스튜어트, 칼 말든, 캐롤 베이커, 데비 레이놀즈, 그레고리 펙, 존 웨인, 헨리 폰다, 리차드 위드마크, 리 J. 콥 등, 다 열거할 수 없을 정도다. 또한 '서부 개척사'는 영화 역사상 시네라마로 제작된 단 두 편의 장편 극영화 중 하나이다. 시네라마로 제작된 장편 극영화는 '서부 개척사'와 '그림 형제의 멋진 세계 (The Wonderful World of the Brothers Grimm, 1962)'뿐이다.

시네라마는 같은 대상을 3개의 필름에 촬영하고 3대의 영사기로 동시에 영사한다. 각각의 영사기는 극장 뒤 분리된 영사실에서 투사하는데, 오른쪽에서 작동하는 영사기는 스크린 왼쪽에 나타나고, 가운데 영사기는 화면 한가운데, 왼쪽 영사기 그림은 화면 오른쪽에 나타난다. 3개의 35mm 필름 영상이 거대한 곡선 스크린에 투사되는데 이렇게 만들어진 영상은 관객의 시야를 완전히 채우게 되어 마치 관객이 영상 속에 들어와 있는 듯한 현장감을 생생히 느끼게 되는 것이다. 하지만 3개의 영상이 연결되는 부분이 문제가 되는데, 각 화면의 외곽부를 흐리게 하여 연결 부분이 표가 나지 않게 처리한다. 완벽한 시각 효과를 느끼기 위해서 관객은 항상 화면의 한가운데 위치해야 한다.

시네라마는 강력한 스테레오 사운드 시스템을 사용한다. 35mm 필름의 7개의 마그네틱 트랙에서 재생하는 사운드는 스크린 뒤와 극장의 여러 곳에 분산 배치한 6개의 스피커를 통하여 관객들에게 전달된다. 시네라마 사운드는 긴 화면을 가로질러 움직이는 피사체를 따라 소리도 같이 이동하는 듯한 느낌을 줄 수 있다.

그러나 이 시스템은 영사기 3대와 특수 스크린, 상대적으로 많이 소요되는 필름의 양으로 인해 경비의 지출이 큰 데 비해 설치할 수 있는 관객 좌석 수가 적어 시네라마의 상업적 발전은 벽에 부딪히고 만다. 또 다른 문제는 시네라마 영화를 위한 적절한 소재를 찾는 것과 곡선 스크린에 제대로 표현할 수 있는 촬영 기술의 한계였다. 그래서 하나의 필름을 와이드 스크린에 상영하는 기술이 등장하자 시네라마는 하나의 필름과 한 대의 영사기를 사용하는 쪽으로 선회했다.

지금은 시네라마 영화를 직접 체험할 수 있는 방법이 없어 '서부 개척사'의 화면이 실제로 얼마나 거대한 지 확인할 수 없지만, 영화 화면 대비 영화 화면 속 등장인물들의 크기만 보아도 '서부 개척사'의 화면이 얼마나 거대한 지 짐작할 수 있다. '서부 개척사'는 시네라마의 거대한 화면을 통해 '서부 개척사'의 궁극적인 주제, 즉 거대한 산, 넓은 강, 끝없는 평원 등 광활한 서부의 대자연 속에서 인간이 얼마나 작은 존재인지를 보여 줌과 동시에, 미국인들이 광활한 서부의 대자연 속에서 수많은 역경을 딛고 서부를 개척한 그들의 모험심과 개척 정신을 이야기하는 영화이다.

플리머스 바위(Plymouth Rock)와 제임스타운(Jamestown) 이래 동부 사람들의 눈과 본능은 서부로 향하기 시작했고, 그 약속의 땅으로 가는 첫 단계인 이리 운하(Erie Canal)가 뉴욕 주지사 드위트 클린턴(DeWitt Clinton)에 의해 건설된다. 서부로 이주하기 위해 이리 운하를 통과하고 오하이오 강에 다다른 프레스콧 가족은 피츠버그로 향하는 라이너스 롤링스(James Stewart)라는 덫사냥꾼을 만난다. 이브와 라이너스는 서로에게 마음이 끌리지만, 모험가 라이너스는 농부나 남편으로 정착해서 사는 삶은 상상도 할 수 없기에 아침 일찍 이브를 떠난다. 라이너스는 제브 호킨스(Walter Brennan)라는 전 민병대 대령이 운영하는 교역소에 들르지만, 사실 교역소는 해적들의 소굴이었고, 라이너스는 이들의 함정에 빠진다. 하지만 라이너스는 교역소에 들렀다가 해적들에게 잡힌 프레스콧 가족을 구해 주고, 프레스콧 가족과 함께 해적들을 무찌른다. 프레스콧 가족은 계속해서 강을 타고 서쪽을 향하지만 급물살에 휩쓸려 제불린과 그의 아내 레베카 프레스콧(Agnes Moorehead)이 죽고 만다. 사고 소식을 듣고 이브 앞에 나타난 라이너스는 자신과 함께 피츠버그에 가자고 이브에게 제안하지만 이브는 부모가 묻혀 있는 이곳에 정착하기로 결심한다.

미국은 멕시코 전쟁의 승리로 텍사스, 뉴멕시코, 캘리포니아 등의 광대한 영토를 새로 얻게 되고, 1848년에 서터스 제분소(Sutter's Mill)에서 금이 발견되면서 캘리포니아의 골드러시가 시작된다. 세인트루이스 뮤직 홀에서 공연을 마친 릴리스는 자신이 캘리포니아의 금광을 유산으로 물려받았다는 소식을 듣게 되고, 이를 엿들은 도박꾼 클리브 밴 발렌(Gregory Peck)은 유산을 상속받기 위해 캘리포니아로 가는 마차대에 합류한 릴리스를 따라 자신도 마차대에 합류한다. 마차대가 평원에서 샤이엔 족의 습격을 받기도 하지만 결국 릴리스는 상속받은 광산에 도착한다. 하지만 릴리스는 상속받은 광산이 쓸모없는 광산이라는 것만 확인하고, 실망한 클리브는 릴리스를 떠난다. 그러나 새크라멘토 강을 지나다니는 강배에서 도박을 하던 클리브는 공연장에서 흘러나오는 릴리스의 노래 소리를 듣고는 바로 릴리스에게 달려가 청혼을 하고 기회의 도시 샌프란시스코에 가자고 제안한다.

"남북 전쟁"에서는 세 명의 실존 인물이 등장하는데, 에이브러햄 링컨(Abraham Lincoln)(Raymond Massey), 윌리엄 테쿰세 셔먼(William Tecumseh Sherman)(John Wayne), 율리시스 S. 그랜트(Ulysses S. Grant)(Henry (Harry) Morgan)이 그들이다. 링컨은 대통령이 되기 2년 전부터 서부는 자유주가 되어야 한다고 주장하고, 분열된 집안은 오래갈 수 없다고 경고하지만, 남부는 노예제 확장을 저지하려는 모든 노력에 반발한다. 모험가 아버지를 닮아 농사일에는 흥미를 느끼지 못하던 제브는 겨우 어머니의 허락을 받고 이미 북군 대위로 남북 전쟁에 참전한 아버지를 따라 자신도 전쟁에 참전한다. 라이너스는 1862년 4월 6일에 벌어진 샤일로 전투(Battle of Shiloh)에서 전사하고, 제브는 그랜트 장군을 암살하려던 남군 병사를 죽인다. 전쟁이 끝나고 오하이오의 집에 돌아온 제브는 아버지의 전사 소식을 듣고 그 충격으로 돌아가신 어머니의 무덤을 보게 된다. 제브는 기병대에 들어가 서부로 가기 위해 다시 집을 떠난다.

미국 역사에서 미주리와 새크라멘토(Sacramento) 사이를 말을 타고 우편물을 배달한 릴레이식 우편 배달 체계인 포니 속달 우편(Pony Express)이 숱한 화제를 뿌렸고, 이어서 대륙 횡단 전신 체계가 구축된다. 한편 대륙 횡단 철도 건설을 위해, 센트럴 퍼시픽 철도(Central Pacific Railroad)가 새크라멘토에서 험난한 시에라네바다산맥을 통과해 동쪽으로 철도를 건설해 나가고, 유니언 퍼시픽 철도(Union Pacific Railroad)는 평원의 인디언들과 로키산맥을 극복해야 하는 어려움을 뚫고 서쪽으로 철도를 건설해 나가는데, 두 철도가 서로 만날 때까지 두 거대 철도 회사 사이에 철도 건설 경쟁이 벌어진다. 인디언들로부터 유니언 퍼시픽 철도와 철도 직원들을 보호하고, 철도가 지나가는 영토의 아라파호 족과 철도 회사 사이를 중재하는 임무를 맡은 기병대 중위 제브는 아버지의 오랜 친구인 들소 사냥꾼 제스로 스튜어트(Henry Fonda)의 도움을 받아 아라파호 족과 철도 회사 사이에 협정을 체결하는데, 유니언 퍼시픽 철도의 마이크 킹(Richard Widmark)이 철도 노선을 마음대로 변경하는 등 협정을 자꾸 무시하고 위반하자, 아라파호 족은 들소 떼를 이용하여 철도 건설 현장을 덮친다. 아라파호 족과 철도 회사 사이에서 난처해진 제브는 환멸을 느끼고 결국 사임하고 만다.

남편 클리브가 죽자 빚 탕감을 위해 경매로 물건들을 처분하고, 자신에게 애리조나에 있는 목장이 있다는 것을 깨달은 릴리스는 애리조나에서 보안관으로 일하고 있는 조카 제브를 만나러 간다. 아내 줄리 롤링스(Carolyn Jones)와 어린 세 자녀와 함께 이모 릴리스를 마중하러 기차역에 나간 제브는 무법자 찰리 겐트(Eli Wallach)를 만난다. 제브는 지난날 오클라호마에서 찰리의 동생인 플로이드를 죽였다. 찰리 일당이 열차로 수송되는 금을 노리고 있다고 의심하는 제브는 보안관 로 램지(Lee J. Cobb)와 함께 열차에 탑승해 찰리 일당을 기다린다. 결국 제브와 로는 열차를 습격한 찰리 일당과 총격전을 벌이고 찰리 일당을 소탕한다.

'서부 개척사'의 마지막은 현대 미국 서부의 모습들, 후버 댐과 서부의 도시들, 금문교 등을 보여 주면서 이것들이 서부를 개척한 옛 조상들이 물려준 유산임을 분명히 한다. "개척자들, 이주자들, 모험가들에 의해 얻은 서부는 이제 오래 전에 사라졌다. 그러나 서부는 영원히 그들의 것이다. ... 그들은 딱딱하고 평이한 삶에서 벗어나, 그들의 활력, 그들의 희망과 그들의 슬픔으로부터 용기와 긍지의 전설을 만들었고, 그들의 자녀들과, 그들의 자녀들의 자녀들에게 영감을 주었다. ..."

그리고 '서부 개척사'의 주제곡인 'How the West Was Won'이 웅장하게 울려 퍼지면서 영화는 끝난다.

'서부 개척사'는 36회 아카데미 시상식에서 작품상을 포함하여 미술상, 촬영상, 의상상, 음악상 등 8개 부문의 아카데미상 후보에 올라, 각본상, 편집상, 음향상의 3개 부문의 아카데이상을 수상했다.

'서부 개척사'의 음악은 알프레드 뉴만이 담당했다. '서부 개척사'에서 '(Fifteen Miles On) the Erie Canal'과 같은 민요와, 미국 남북 전쟁 때 불려진 'When Johnny Comes Marching Home'과 같은 노래들을 들을 수 있다. 특히 '서부 개척사'에서 자주 흘러나오는 노래 'Home in the Meadow'는 영국의 전통 민요인 'Greensleeves'에 새미 칸이 새로운 가사를 입힌 것이다. '서부 개척사'에서 릴리스를 연기하는 데비 레이놀즈는 영화에서 'Wait for the Hoedown', 'Raise a Ruckus', 'What Was Your Name in the States?', 'Home in the Meadow'를 직접 부른다.

상영 시간이 164분인 '서부 개척사'는 대작 영화인 만큼 꽤나 거창하게 시작하고 거창하게 끝난다. 오프닝 크레딧 전에 서곡이 나오고, "평원"이 끝난 후에는 막간과 간주곡이, 그리고 영화가 끝난 후에는 피날레곡이 나온다. 서곡으로 'I'm Bound for the Promised Land', 'Shenandoah', 'Endless Prairie', 'The Ox Driver'가 차례로 나오고, 간주곡으로 'Home in the Meadow', 'Nine Hundred Miles from Home', 'On the Banks of the Sacramento', 'When Johnny Comes Marching Home', 'Battle Hymn of the Republic'이 차례로 나온다. 그리고 피날레곡으로 'I'm Bound for the Promised Land', 'On the Banks of the Sacramento', 'Home in the Meadow'가 차례로 나온다.

미지의 여인에게서 온 편지 (Letter from an Unknown Woman, 1948)

unforgettable — Sat, 9 Nov 2024 16:47:48 +0900

'미지의 여인에게서 온 편지'는 오스트리아의 작가 슈테판 츠바이크의 동명의 단편 소설을 독일 출신의 영화감독 막스 오퓔스 감독이 영화화한 멜로 영화이다. 막스 오퓔스 감독은 여자들의 삶을 즐겨 다룬 영화감독으로 유명하다. 막스 오퓔스 감독의 영화들에 등장하는 여자 주인공들은 매우 순수한 인물들로 가혹한 운명과 잔혹한 남성들에 의해 희생되는 존재들이다. '미지의 여인에게서 온 편지' 또한 10대 때부터 평생 한 남자만을 사랑해 온 한 여인의 지고지순하고 애절한 사랑 이야기를 담고 있다.

1900년경, 비엔나. 전직 피아니스트인 슈테판 브란트(Louis Jourdan)가 자신의 집 앞에 당도한 마차에서 내린다. 새벽 2시를 알리는 종소리가 들린다. 세 시간 뒤 명사수로 알려져 있는 어느 남자와의 결투를 앞두고 있는 슈테판은 자신의 언어 장애인 하인 존(Art Smith)에게 결투를 피해 - "명예는 신사들만 감당할 수 있는 사치야." - 당분간 비엔나를 떠나 있을 것이라고 말한다. 존은 슈테판에게 어느 여인에게서 온 편지를 건넨다. 편지지의 윗머리에 인쇄되어 있는 "세인트 캐서린 병원"과, "당신이 이 편지를 읽을 때에는 저는 죽었을 겁니다."라는 첫 문장에 호기심이 발동한 슈테판은 미지의 여인에게서 온 편지를 읽기 시작한다.

'미지의 여인에게서 온 편지'는 자신이 쓴 편지를 읽어 가는 여인의 내레이션과 함께, 플래시백으로 여인의 10대 소녀 시절로 돌아가, 소녀의 옆집으로 이사 오는 슈테판을 알게 된 바로 그날 처음 시작된 여인의 삶 - "저는 모두에게 생일이 두 번 있다고 생각해요. 신체적으로 태어난 날과, 무엇을 의식한 삶이 시작된 날이죠." - 을 보여 준다.

슈테판의 이삿짐이 온 날에 본 그의 아름다운 물건들과, 그의 집에서 들려오는 피아노 연주 소리에, 그에 대한 호기심을 키워 가던 소녀는 어느 날 집을 나서는 그에게 문을 열어 주고, 그를 처음 본 그 순간 사랑에 빠진다. 하지만 소녀의 미망인 어머니 번들레 부인(Mady Christians)이 린츠에서 군복 제조 사업을 하는 캐스트너 씨(Howard Freeman)의 청혼을 받아들이면서 린츠로 이사를 가게 된다. 기차역에서 자신은 슈테판이 없으면 살 수 없다는 것을 갑자기 깨달은 소녀는 그를 보기 위해 무작정 그의 집으로 달려가고, 그의 집 앞에서 그를 기다리고 또 기다리지만, 그가 어떤 여자와 함께 집으로 들어가는 것을 보고 실망한다. 결국 소녀는 린츠로 간다. 린츠에서 18살이 된 여인은 여전히 슈테판을 잊지 못해 능력 있는 젊은 장교 레오폴트 폰 칼트네거 중위(John Good)의 청혼도 거절한다.

슈피처 부인(Sonja Bryden)의 옷가게에 취직해 비엔나로 다시 돌아온 여인은 매일 저녁 일이 끝나면 곧바로 슈테판의 집으로 달려가, 멀리서라도 그의 얼굴을 보기 위해 그의 집 앞에서 그를 기다린다. 어느 날 저녁 여인 곁을 지나 집으로 걸어가던 슈테판은 갑자기 여인에게 다가가 말을 걸고, 여인은 비록 그가 자신을 알아보지는 못했지만 그날 저녁 그와 함께 꿈같은 시간을 보내고, 그날 밤 그의 집에서 그와 함께 하룻밤을 보낸다. 하지만 다음날 여인이 일하고 있는 옷가게를 찾은 슈테판은 공연을 위해 그날 오후에 밀라노로 떠날 것이라고 여인에게 말하고 2주 후에 돌아오겠다고 약속하지만 끝내 나타나지 않는다. 그동안 여인은 경제적 어려움으로 자선 병원에서 슈테판의 아들 슈테판 주니어(Leo B. Pessin)를 출산하고, 아들이 9살이 되었을 때 아들을 위해 요한 슈타우퍼(Marcel Journet)와 결혼을 한다.

어느 날 여인은 요한과 함께 간 음악회에서 우연히 슈테판을 만나고, 요한의 만류에도 슈테판을 보기 위해 그의 집으로 달려간다. 하지만 슈테판은 끝까지 여인을 알아보지 못하고, 이에 절망한 여인은 그의 집을 조용히 떠난다. 발진 티푸스에 걸린 아들마저 잃고 혼자가 되어 버린 여인은 자신도 병에 걸려 세인트 캐서린 병원에서 죽음을 맞이한다.

편지를 다 읽고 여인에 대한 기억을 어렴풋이 떠올린 슈테판은 죄책감에 눈물을 흘린다. 그리고 존에게 이 여인을 기억하느냐고 묻자 존은 종이에 리사 번들레(Joan Fontaine)라고 적는다. 존은 옛날 옆집에 살았던 소녀를, 슈테판은 결코 기억하지 못했던 그 소녀를 기억하고 있었던 것이다.

드디어 아침 5시를 알리는 종소리와 함께 슈테판을 결투 장소에 데리고 갈 마차가 그의 집 앞에 당도한다. 이어서 영화 화면은 다른 마차에 탄 슈테판의 결투 상대를 보여 주는데, 슈테판의 결투 상대는 바로 리사의 남편인 요한이다!

결투를 피해 비엔나를 당분간 떠나 있기로 마음먹었던 슈테판은 자신이 리사에게 지은 죄에 대한 벌을 받겠다는 듯이 결투를 하기로 마음을 바꾼다. 죽을 지도 모를 결투를 위해 집을 나서는 슈테판은 옛날 리사를 처음 본 순간을, 집을 나서던 자신에게 문을 열어 준 10대 소녀 시절의 리사를 떠올린다.

영화와 원작 소설 사이에 차이점이 있다. 영화에서 피아니스트인 슈테판은 원작 소설에서는 유명 소설가 R로 나오며, 영화에서는 미지의 여인의 이름이 리사이지만, 원작 소설에서는 여인의 이름이 나오지 않는다. 또한 영화에서 리사는 요한과 결혼하지만, 원작 소설에서 여인은 결혼하지 않으며 요한이라는 인물도 등장하지 않는다. 따라서 영화에서의 슈테판과 요한의 결투 이야기는 원작 소설에서는 나오지 않는다. 이외에도 소소한 차이점이 있긴 하지만, 영화와 원작 소설의 이야기 자체는 차이가 없다.

슈테판은 10대 소녀 시절부터 자신을 사랑해 온 리사를 끝까지 알아보지 못하고 기껏해야 자신이 상대한 수많은 여자들 중 하나로만 상대한다. 그럼에도 불구하고 리사는 슈테판에게 고집스럽게 자신의 정체를 밝히지 않고 일편단심 순정을 지키며 살다가, 아들의 죽음과 더불어 자신도 죽음을 맞이하게 되는 순간에서야 편지를 통해 자신의 존재와 사랑을 밝힌다. 바람둥이 같은 슈테판과 이런 슈테판을 사랑하는 리사의 이야기가 오늘날의 관객들, 특히 여성 관객들은 이해가 되지 않을 수도 있다. 그러나 영화 및 원작 소설의 시간적 배경 당시의 이중적인 성도덕 문제점을 슈테판과 리사의 이야기와 함께 생각해 본다면 다소 다른 의미의 맥락이 잡힌다. 원작 소설의 저자인 슈테판 츠바이크에 따르면, 그의 사춘기 시절 - 그는 영화의 시간적 배경과 같은 1900년에 고등학교 과정을 마쳤다. - 에는 매춘과 성병이 난무했다고 한다. 가장 행복한 순간까지도 영혼에 어두운 그림자를 던지는 것은 성병의 전염에 대한 불안이었고, 그처럼 열렬히 여자의 순결을 옹호했던 도시가 매춘을 태연하게 못 본 체했고, 그것을 조직화해서 돈을 벌어들인 시대였다고 한다. 영화에서는 리사와 슈테판의 마지막 만남에서 리사는 슈테판이 끝까지 자신을 알아보지 못하자, 이에 절망하여 슈테판의 집을 조용히 떠나지만, 원작 소설에서는 여인과 함께 하룻밤을 보낸 R이 아침에 하룻밤의 댓가로 여인의 방한용 머프 속에 고액지폐를 밀어 넣자, 이에 절망한 여인이 R의 집을 떠난다. R은 여인을 알아보지 못했을 뿐만 아니라, 창녀라고 생각한 것이다.

이러한 당시 분위기 속에 리사의 순정적인 사랑을 생각해 본다면, 10대 소녀 시절부터 사랑해 온 슈테판 앞에서 자신이 누구인지 고집스러울 정도로 밝히지 않고 그가 스스로 알아보기를 바랐던 리사의 순정적인 사랑은 사실 당시 남자들의 사랑의 순도를 시험하기 위해 던진 질문인 동시에 이중적인 성도덕에 대한 비판으로 볼 수도 있을 것이다. 그래서 영화는 원작 소설에서는 나오지 않는 슈테판과 요한의 결투 이야기를 추가하여 오늘날 관객들에게는 부도덕해 보이는 슈테판으로 하여금 벌을 받도록 한 것이 아닐까 생각한다.

어쨌든 리사의 순정적인 사랑의 상대가 오늘날 관객들에게는 부도덕해 보이는 슈테판이라는 것을 제외시킨다면, 리사의 순정적인 사랑만큼은 오늘날 관객들에게도 충분히 감동적이다. 리사의 순정적인 사랑을 보여 주는 눈물나는 대사가 있다. 경제적 어려움으로 자선 병원에서 슈테판 주니어를 출산한 리사는 아이의 아버지가 누구인지 절대로 밝히지 않는데, 편지에서 슈테판에게 도움을 요청하지 않은 이유를 말한다. "당신에게 아무것도 바라지 않은 당신의 유일한 여자가 되고 싶었습니다."

그리고 편지의 마지막 문장은 안타까움에 눈물이 날 정도다. "이 편지를 받으면, 제가 언제나 그랬듯 지금도 당신을 사랑하고 있다는 것을 믿어 주세요. 제 인생에서 가장 행복했던 순간은 당신과 함께 한 순간과 우리들의 아이를 가졌던 순간이었습니다. 만약에 당신이 그 순간들을 함께 할 수만 있었다면. 만약에 당신이 언제나 당신 것이었던 것을 알아볼 수만 있었다면. 결코 잃어버리지 않았던 것을 찾았더라면. 만약에..."

화려한 형식미로 멜로 영화에서 일가를 이룬 막스 오퓔스 감독은 '미지의 여인에게서 온 편지'에서도 크레인 숏 등 화려한 카메라 워크를 보여 준다. 린츠로 가기 전 슈테판의 집 앞에서 그를 기다린 리사가 상층 계단에서 슈테판과 어떤 여자가 문을 열고 들어와 계단을 오르고 집으로 들어가는 것을 몰래 내려다보는 유명한 크레인 숏을 볼 수 있다. 나중에 이 크레인 숏은 정확히 같은 위치에 있는 카메라를 통해 마치 관객들이 슈테판과 리사가 문을 열고 들어와 계단을 오르고 집으로 들어가는 것을 몰래 내려다보는 듯한 장면으로 반복된다. 이를 통해 리사가 슈테판과 어떤 여자가 집으로 들어가는 것을 보며 느꼈던 실망감을, 리사를 알아보지 못하는 슈테판과 리사가 집으로 들어가는 것을 보는 관객들도 똑같이 느낄 수 있도록 해 주고 있다.

'미지의 여인에게서 온 편지'는 영국 영화 연구소(British Film Institute, BFI)에서 간행하는 영화 전문 월간 잡지 'Sight & Sound'가 2022년에 발표한 "영화 사상 가장 위대한 영화 (The Greatest Films of All Time)"에서 169위에 랭크되어 있다.

배리 린든 (Barry Lyndon, 1975)

unforgettable — Sat, 2 Nov 2024 08:56:47 +0900

'배리 린든'은 스탠리 큐브릭 감독이 '배리 린든' 직전에 연출한 '2001 스페이스 오딧세이 (2001: A Space Odyssey, 1968)'와 '시계태엽 오렌지 (A Clockwork Orange, 1971)', 그리고 '배리 린든' 직후에 연출한 '샤이닝 (The Shining, 1980)'과 같은 걸작들을 한창 연출하던 시기에 연출한 영화이지만, 스탠리 큐브릭 감독의 영화들 중에서 가장 저평가를 받았던 영화이다. '2001 스페이스 오딧세이', '시계태엽 오렌지', '샤이닝'이 워낙 개성이 강한 영화들이었던 만큼, 18세기의 과거를 배경으로 한, 그리고 상영 시간이 3시간이나 되는, 거기에다 단조롭게 전개되는 영화의 이야기로 인해 상대적으로 저평가를 받았다. 하지만 '배리 린든'은 영화에 숨겨져 있는 스탠리 큐브릭 감독의 심오한 연출 의도가 알려지면서 지금은 스탠리 큐브릭 감독의 걸작 중 하나로 평가받고 있다. '배리 린든'은 영국 영화 연구소(British Film Institute, BFI)에서 간행하는 영화 전문 월간 잡지 'Sight & Sound'가 2022년에 발표한 "영화 사상 가장 위대한 영화 (The Greatest Films of All Time)"에서 45위에 랭크되어 있는데, 오히려 243위에 랭크되어 있는 '시계태엽 오렌지'나, 88위에 랭크되어 있는 '샤이닝'보다도 훨씬 높은 순위에 랭크되어 있다. '2001 스페이스 오딧세이'는 6위에 랭크되어 있다.

스탠리 큐브릭 감독이 영화의 각본을 쓰고 제작과 연출까지 담당한 '배리 린든'의 원작은 찰스 디킨스와 함께 빅토리아 중기인 1830~40년대 소설을 대표하는 작가로 꼽히는 윌리엄 메이크피스 새커리의 소설이다. 이 소설은 '배리 린든의 행운: 지난 세기의 로맨스 (The Luck of Barry Lyndon: A Romance of the Last Century)'라는 제목으로 1844년 1월부터 12월까지 '프레이저스 매거진 (Fraser's Magazine)'이라는 잡지에 처음 연재되었으며, 1856년에 '신사 배리 린든의 회고록 (The Memoirs of Barry Lyndon, Esq.)'이라는 제목의 단행본으로 다시 출간되었다.

'배리 린든'은 내레이터(Michael Hordern) 마이클 호던의 친절한 내레이션으로 주인공 배리 린든(Ryan O'Neal)의 삶을 따라간다. 배리 린든의 원래 이름은 레드먼드 배리인데, 나중에 그는 찰스 린든 경(Frank Middlemass)의 미망인 레이디 린든(Marisa Berenson)과 결혼한 후, 그의 이름에 사랑스러운 레이디의 이름을 붙여 써도 좋다는 국왕 폐하의 하해와 같은 허락을 받아 내 배리 린든이라는 칭호와 직함을 획득하게 된다. '배리 린든'의 이야기는 1부와 2부, 그리고 에필로그로 구성되어 있는데, 1부의 제목 또한 "레드먼드 배리가 배리 린든의 칭호와 직함을 획득한 방법"이다.

'배리 린든'의 원작 소설은 악한 소설이자 역사 소설이다. 악당을 주인공으로 하는 악한 소설은 협잡꾼, 무뢰배로 정의될 수 있지만 잔재주가 뛰어나고 매력도 있는 인물이 세상에서 겪는 일을 일인칭 주인공 시점에서 서술하는 형식의 소설이다. 자신의 소설을 "영웅 없는 소설"이라고 표현한 윌리엄 메이크피스 새커리는 아일랜드의 몰락한 젠트리 집안의 아들 레드먼드 배리라는 악당을 주인공으로 한 소설에서 중산 계층의 속물근성과 허위의식을 날카롭게 풍자한다. 첫사랑을 빼앗은 잉글랜드인 장교와 결투를 벌이다가 장교에게 상해를 입혀 도주를 하던 레드먼드 배리는 설상가상으로 사기꾼 부부 - 영화에서는 노상강도(Arthur O'Sullivan) - 에게 가진 돈을 모두 빼앗기고 군에 입대한다. 우여곡절 끝에 군에서 벗어난 뒤에는 도박과 사기에서 재능을 발휘하며 유럽 전역의 사교계를 누빈다. 그렇게 상류 사회에 진출한 레드먼드 배리는 막대한 부와 뛰어난 미모를 가진 린든 여백작, 잉글랜드 불링던 여자작이자 아일랜드 왕국 린든 성의 여남작을 만나 결혼을 하면서 이름까지 배리 린든으로 바꾸고 허영으로 가득 찬 생활을 누리지만, 속물근성과 출세주의에 젖은 그의 삶은 점점 파멸로 향한다. 배리 린든이 파멸로 향하는 이야기는 '배리 린든'에서도, 특히 2부 "배리 린든에게 닥친 불행과 재앙에 대한 이야기"에서 잘 보여 준다.

윌리엄 메이크피스 새커리는 주로 하층민 주인공이 온갖 고난을 이겨내고 해피엔드를 맞이하는 이야기로 서민들의 서러움과 아픔을 달래 준 찰스 디킨스 식의 이상적인 소설 세계를 그려내는 대신, 주로 허영과 위선에 물든 중산층 인물이 출세를 지향하다가 결국 비극적 파국을 맞이하는 이야기로 천박한 세태를 풍자하는 리얼리즘적 소설 세계를 구축하고자 했다. 윌리엄 메이크피스 새커리는 자신의 소설 세계를 구현하기 위해 실제 일어난 역사적 사건을 소재로 하여 재구성하는 역사 소설의 형식을 취하기도 했다. 그렇게 윌리엄 메이크피스 새커리는 기존의 소설 속 영웅적 존재가 아닌, 현실 생활 속에서 흔히 만날 수 있는 나약하고 어리석은 결점투성이의 인간이 인류의 역사라는 노도에 때로는 휩쓸리기도 하고 때로는 맞서기도 하면서 삶을 살아가는 과정을 통해 인간 본성을 그려냈다.

'배리 린든'에서 레이먼드 배리는 유럽의 열강들이 모두 참전한 그 유명한 7년 전쟁이라는 역사적 사건 속으로 운명처럼 내몰린다. 레드먼드 배리에게는 아버지와도 같았던 친구 그로건 대위(Godfrey Quigley)가 프랑스군과의 전투에서 죽자, 레드먼드 배리는 군대의 영광을 뒤로 하고 탈영하기로 마음먹는다. 레드먼드 배리는 전쟁 속에 휘말린 일개 개인의 삶이 그 속에서 어떻게 파괴되는지를 본 것이다. 내레이터가 말한다. "집에서 아늑한 안락의자에 앉아 영광스러운 전쟁을 꿈꾸기는 쉽다. 하지만 직접 전쟁을 보는 것은 많이 다르다. ... 신사들은 기사도 시대를 이야기할지도 모르지만, 그들이 지휘한 일자무식한 농군들, 침입자들과 소매치기들을 기억하시라. 이런 짐승들을 유용한 도구로 사용하여 당신들의 위대한 전사들과 제왕들은 세상에서 온갖 살상 행위를 저질러 왔다."

내레이터의 내레이션은 인간이란 전쟁, 정치처럼 비인간화를 초래하는 사회라는 거대한 풍랑 속에서 이용, 희생될 수밖에 없는 미약한 존재라는 사실을 분명히 하고 있다.

그리고 이어지는 장면에서 레드먼드 배리는 물을 길으러 강에 가는데, 그곳에서 두 명의 동성애자들을 발견한다. 두 동성애자들 중 한 명의 이름이 프러시아의 프리드리히 대왕(Frederick the Great)의 이름과 같은 프레더릭(Frederick)이다. 7년 전쟁을 일으킨 프리드리히 대왕을 조롱하고 있다.

하지만 '배리 린든'에서 스탠리 큐브릭 감독은 역사나 사회라는 풍랑 속에서 인간은 미약한 존재라는 주제를 운명이라는 풍랑 속에서 인간은 미약한 존재라는 주제로 확장하고 있다. '배리 린든'에서 라이언 오닐이 연기하는 배리 린든을 주의 깊게 보면, 자신에게 닥친 어떠한 일에도 표정의 변화가 거의 없고 감정을 거의 드러내지 않는다. 배리 린든이 그나마 자신의 감정을 드러낸 때는 그로건 대위가 전사했을 때와, 아들 브라이언(David Morley)이 말에서 떨어지는 사고로 죽었을 때뿐이다. 도박을 할 때도, 결투를 할 때도, 그렇게 원한 레이디 린든과 결혼을 할 때도, 심지어 처음부터 자신에게 적대적이었던 양아들, 작고한 찰스 린든 경의 아들인 불링던 경(Leon Vitali)과의 결투에서 자신의 한쪽 다리를 잃었을 때도 냉정하다 싶을 정도로 무덤덤하다. 배리 린든은 자신에게 닥치는 모든 일들을 피할 수도 거역할 수도 없는 운명이라는 듯이 무덤덤하게 받아들인다. 배리 린든뿐만이 아니라 레이디 린든도 마찬가지다. 레이디 린든은 마치 운명이라는 괴뢰사가 부리는 꼭두각시 인형과도 같다. 게다가 스탠리 큐브릭 감독은 관객들이 배리 린든에게 어떠한 감정 이입도 할 수 없도록 영화의 이야기를 전개시킨다. 그나마 관객들이 배리 린든에게 감정 이입이 되는 때는 헨델의 '사라방드 (Sarabande)'가 장엄하게 흐르는 가운데 브라이언의 장례 행렬을 보여 주는 때뿐이다. 이 때문에 관객들은 스탠리 큐브릭 감독의 연출 의도를 알지 못하고 영화를 보면 영화의 이야기 전개가 단조롭게 느껴질 수 있다.

영화의 이야기 전개가 단조롭게 느껴지는 데에는 내레이터의 내레이션도 한몫한다. 원작 소설은 악한 소설의 특징을 극대화하기 위해 회고록의 형식을 취하고 있다. 회고록은 특성상 일인칭 주인공 시점으로 서술되는데, 독자들이 결점으로 가득한 화자의 이야기를 통해 그의 삶을 더욱 비판적으로 바라보게 하기 위해서이다. 하지만 스탠리 큐브릭 감독은 '배리 린든'에서 내레이터 역을 배리 린든을 연기하는 라이언 오닐 대신 마이클 호던에게 맡겨, 관객들이 배리 린든에게 감정 이입을 하지 못하도록 하고 있다. 거기에다 내레이터는 배리 린든에게 닥칠 일들을 - 모든 일들이 배리 린든의 운명이라는 듯 - 관객들에게 미리 알려 주어 영화의 극적 효과를 원천 차단한다. 한 예로, 자신의 첫사랑이었던 노라(Gay Hamilton)와 약혼한 비겁한 퀸 대위(Leonard Rossiter)와의 결투에서 이긴 레드먼드 배리가 어머니(Marie Kean)가 기다리고 있는 집에 도착했을 때 내레이터는 레이먼드 배리가 집을 떠나게 될 것이라고 미리 예고한다. "노라와 사랑에 빠지지 않았다면, 그리고 퀸 대위의 얼굴에 와인을 던지지 않았다면, 배리의 운명은 얼마나 달라질 수 있었을까. 하지만 그는 방랑자가 될 운명이었다."

더블린으로 도주 중인 레이먼드 배리는 주막에서 식사를 함께 하자고 제안하는 한 남자를 만난다. 레드먼드 배리는 그 제안을 거절하고 바로 주막을 떠남으로써 요행히 강도를 당하는 것을 면하지만, 결국에는 노상강도인 그 남자를 길에서 다시 만나고, 그에게 가진 돈을 모두 빼앗기고 만다. 이렇듯 어느 누구도 운명을 피할 수도 거역할 수도 없다. 인간이 늙어서 죽는 것은 피할 수 없는 운명이고, 죽을 때에는 모든 것을 세상에 버리고 가야 하는 것도 거역할 수 없는 운명이다. '배리 린든'은 에필로그에서 이를 분명히 하고 있다. "전술한 인물들이 살아가고 다투던 시기는 조지 3세 시대였다; 선한 사람이든 악한 사람이든, 잘생긴 사람이든 추한 사람이든, 부유한 사람이든 가난한 사람이든 이제는 모두가 평등하다."

이렇듯 스탠리 큐브릭 감독은 원작을 영화로 각색할 때 원작의 이야기와 주제를 그대로 가져오는 법이 없다. 스탠리 큐브릭 감독은 원작보다 더 심오한 주제와 이야기로 업그레이드하여 원작과는 또 다른 자신만의 차별성이 있는 영화로 만들어 버린다. '배리 린든'뿐만 아니라, 안토니 버지스의 소설을 각색한 '시계태엽 오렌지'에서도 그랬고, 스티븐 킹의 소설을 각색한 '샤이닝'에서도 그랬다. 스탠리 큐브릭 감독이 영화 역사상 가장 위대한 영화감독 중 한 사람으로 평가받고 있는 이유다.

'배리 린든'은 시각적 스타일을 추구하는 또 하나의 극단을 보여 주는 영화이다. 스탠리 큐브릭 감독은 인공조명이 없던 18세기 유럽의 풍광을 재현하기 위하여 인공광을 제거하고 자연광만으로 촬영을 하는 획기적인 실험을 감행했다. 그리고 스탠리 큐브릭 감독은 미국 항공 우주국(NASA)에서 구입한 우주 탐사용 렌즈를 개조하여 만든 카메라를 사용하여 전적으로 촛불만으로 이루어진 실내 장면들을 촬영하였다. 그리하여 이 영화는 시종일관 인상주의 회화의 느낌을 주는 매혹적인 장면들을 보여 준다. 실제로도 스탠리 큐브릭 감독은 '배리 린든'의 매혹적인 장면들을 연출하기 위하여 영국의 풍속과 사회상을 해학적으로 묘사한 17~18세기 로코코 시대의 영국 화가 윌리엄 호가스(William Hogarth)의 작품을 모방하기도 했다.

스탠리 큐브릭 감독이 '배리 린든'에서 아름다운 풍광을 배경으로 한 장면들을 연출한 이유는 영화에 등장하는 결점투성이의 인간들을 작고 하찮은 존재로 보이게 하기 위해서이다. '배리 린든'에서 배리 린든을 클로즈업한 장면이 점점 줌 아웃이 되면서 아름다운 풍광을 배경으로 작아져 버린 배리 린든을 보여 주는 롱 숏 장면들이 많이 나오는데, 이는 아름다운 풍광 속의 배리 린든을 작고 하찮은 존재로 보이게 할 뿐만 아니라, 주변의 친구들도 떠나가고 점점 고립되어 가는 외로운 배리 린든을 표현한다. '배리 린든'은 48회 아카데미 시상식에서 아카데미 촬영상을 수상했다.

또한 '배리 린든'이 역사 소설이 원작인 역사 영화인 만큼, 스탠리 큐브릭 감독은 고증을 통하여 18세기 유럽의 풍속과 무대를 재현하였다. '배리 린든'은 아카데미 미술상과 아카데미 의상상도 수상했다.

스탠리 큐브릭 감독은 자신의 영화에 클래식 음악을 아주 잘 활용한 영화감독으로 유명하다. '배리 린든'에서도 바흐, 헨델, 모차르트, 파이지엘로, 슈베르트, 비발디의 음악을 들을 수 있다. 그중에서 오프닝 크레딧에서부터 장엄하게 흘러나오는 헨델의 '사라방드'와, 배리 린든이 레이디 린든을 처음 만나고 교제를 시작하는 장면에서 흘러나오는 슈베르트의 'Piano Trio in E-Flat, Op.100', 배리 린든이 불륜을 저지르고 있는 현장을 목격한 레이디 린든이 우울한 나날을 보내는 장면에서 흘러나오는 비발디의 'Cello Concerto in E-Minor'가 유명하다. 레이먼드 배리가 영국 장교의 군복과 신분 증빙 서류를 훔쳐 군대를 탈영하고 영국군이 점령한 영토를 벗어나 프러시아군이 점령한 지역으로 들어서는 장면에서, 그리고 길에서 만난 프러시아 장교 포츠도르프 대위(Hardy Kruger)의 초대에 응하고 그를 따라나서는 장면에서 흘러나오는 음악은 프리드리히 대왕이 작곡한 '호엔프리트베르크 행진곡 (Hohenfriedberger March)'이다. 아일랜드의 전통 민속 밴드인 The Chieftains가 연주하는 아일랜드 전통 음악 - 'Women of Ireland', 'Piper's Maggot Jig', 'The Sea-Maiden' - 도 영화에 삽입되어 있다. '배리 린든'은 아카데미 음악상도 수상했다.